Auteur : Daniel Guénette

Parfois, lisant un beau livre je m’exclame, immodérément pourrait-on croire. Ce n’est pas seulement une page çà et là qui au fil de la lecture enlève mon admiration, mais bien davantage. Par exemple, avec ce récit de vie et de mort, d’amour et de deuil, je me suis surpris à souhaiter vivre encore cent ans afin de découvrir à nouveau de comparables ouvrages, dans l’espoir qu’il puisse s’en trouver quelques-uns aptes à me combler tout autant que celui-ci. Je m’emporte sans doute. Or, mes hyperboles, comme on le verra, trouvent avec ce récit amplement matière à justification. Ne serait-ce que pour la raison suivante. Il arrive que lire corresponde à un véritable acte d’amour. Lorsqu’il est aimable, nous donnons à un livre toute notre attention, toute notre admiration. Nous l’aimons pour ainsi dire doublement quand justement il célèbre l’amour et la beauté. Ce qui est le cas ici. L’auteur a écrit une œuvre animée par un merveilleux sentiment amoureux, qu’il parvient à communiquer brillamment. Tous les livres ne produisent pas pareil effet.

Quand il fait triste Bertha chante. Ce titre dit beaucoup. Sans équivoque, il présente le personnage principal du récit, Bertha, une femme. Nous apprendrons dès le premier chapitre qu’elle est la mère de l’écrivain et qu’elle est morte. Dans le titre, elle occupe la position centrale, elle se situe entre la tristesse et le chant. La tristesse lui est extérieure, elle tombe sur elle et sur les siens : « il fait triste ». La tristesse est imposée par la vie, par le simple fait de vivre (mais vivre, pour certains et certaines, c’est vivre sous le joug de la tyrannie : nous y reviendrons). Le mal tombe donc sur Bertha comme la pluie et le tonnerre, s’abat sur elle ainsi que la tornade dévastatrice. Mais ce mal, on peut, selon Bertha, choisir de ne pas le subir; on peut lui opposer la résistance du chant, la révolte de la joie intérieure et de la foi. Je dis le mot « foi ». Je l’entends dans le sens que suggère l’un des passages du livre, celui où il est question de Leonard Cohen. La foi de Cohen est cette « foi qui pousse à franchir les eaux, les montagnes, et à contraindre demain à être un jour nouveau. [Cohen] adore le ciel et la mer. Il est juste un homme à sa place. Un homme à son humanité. » Bertha est « femme courage ». Au nom de l’humanité, elle chante, elle danse. Elle ne subit pas. Elle force son destin, elle invente son chemin. Ce sera le chemin de l’exil. Sur sa longue route, du début à la fin de sa vie, quand il fera triste, toujours Bertha chantera.

Dans l’épigraphe, extraite d’un ouvrage de Ken Bugul, nous lisons ceci qui en quelque sorte traduit, du moins en partie, la nature du chant de Bertha. « Revendique tes droits, me dit-elle. — Dis non quand cela ne te convient pas. — Demande ce que tu veux. — Ce sera oui ou non. »  Ces mots de Bugul correspondent à la leçon que Bertha aura donnée à son fils, à travers un enseignement donné davantage par l’exemple que par les mots.

On l’aura deviné, dans ce récit hautement biographique, Saint-Éloi rend un hommage posthume à sa mère, « femme courage » qui dans l’adversité et la tourmente aura eu le génie de changer presque la boue en or. À tout le moins sera-t-elle parvenue à transmuer la misère en joie, et ce, par la vertu du chant qui est disposition magicienne de l’âme. Je parle de magie, je parle à vrai dire d’un réel tour de force. Bertha vient de loin. Elle vient d’Haïti. Elle quitte la misère pour trouver une misère nouvelle en terre d’accueil. Dans son pays natal, dit « pays-pourri », tout comme aux États-Unis, où elle se retrouvera au plus bas de l’échelle, Bertha aura toujours su tirer son épingle du jeu. La petite couturière qui sa vie durant a tant pédalé sur sa machine Singer, machine à coudre chantante — « singer » en français signifie feindre et contrefaire, mais en anglais signifie « chanteur » — la petite couturière a choisi elle-même le patron de sa robe, l’a cousue en chantant, puis l’a revêtue bravement afin d’affronter, comme elle seule l’entendait, son propre destin.

Les lecteurs découvriront eux-mêmes l’étoffe dont ce destin est fait. Le livre consacré à la gloire de Bertha ne se résume pas facilement. Bien qu’il soit passionnant, il n’est pas un roman d’aventures. Cependant, comme les meilleurs romans, ce récit va au-delà de l’anecdote. L’auteur raconte l’histoire de sa mère, mais la vie de celle-ci s’arrimant à plusieurs autres vies ne peut être détachée du tissu social d’Haïti. L’auteur la raconte en y incluant tout un peuple et surtout chacun des membres de la famille élargie de Bertha.

Je ne puis rapporter fidèlement le parcours de Bertha. L’auteur remplit lui-même cette tâche. Il raconte. Sa mère a eu quatre enfants, tous de pères différents. La jeune maman n’a que dix-sept ans lorsqu’elle accouche de son tout premier enfant, c’est le petit Rodney. Apprentie couturière, elle faisait de menus travaux dans une maison de la haute société, dans les beaux quartiers où elle était hébergée. Le fils de la maison ne pouvait pas ne pas la voir, la beauté de la jeune fille sautait aux yeux. Il était aux études, voulait devenir pharmacien. Comme dit la chanson, il faut bien que le corps exulte. « Bertha est tombée enceinte », c’est le titre d’un chapitre. Cet événement singulier s’inscrit dans une histoire collective. L’auteur ne se limite pas à la personne de sa mère, aux répercussions qu’aura sur elle la précoce maturité qu’oblige une toute jeune maternité. Si la mère et l’enfant occupent le centre du tableau, les autres éléments qui les entourent sont loin d’être insignifiants, ils ne sont pas traités pas comme de simples éléments de décor. En fait, l’ensemble de la société haïtienne apparaît dans le tableau. Les circonstances dans lesquelles l’adolescente donne la vie, les réactions à sa grossesse chez la famille qui l’emploie et la loge, le père de l’enfant se retirant aussitôt sur la pointe des pieds, puis l’attitude aimante de sa mère Contita qui lui ouvre les bras, ainsi que l’accueil si généreux que lui réserve sa grand-mère Tida, la prenant en charge à la campagne durant sa gestation jusqu’à l’accouchement, tout cela permet à l’auteur de jeter un éclairage saisissant sur la société haïtienne.

Il y a dans ce récit une galerie de personnages tous plus pittoresques et attachants les uns que les autres. Ils se découpent sur une masse qui en arrière-fond est constituée par les grands voyous, forbans et assassins qui longtemps auront fait la pluie et le beau temps dans ce pays dit pays-pourri. Le dictateur, ses sbires et leur milice forment cette masse indistincte et oppressante. La vie était insoutenable. Il fallait sauver sa peau, échapper à la misère et dans certains cas à une mort promise. On a contraint à l’exil la plupart des personnages dont parle l’auteur, mais certains sont demeurés au pays, y subissant les exactions et les injustices du pouvoir.

Il n’y a rien de misérabiliste dans ce récit. L’auteur brosse un tableau réaliste de la vie en Haïti. Il nomme le « pays-pourri » et le décrit de manière objective. Il ne ménage cependant pas ses mots pour dénoncer les injustices sociales qui y sévissent. Les pages qu’il leur consacre sont puissantes.

Dans ce monde sens dessus dessous,  Bertha est un modèle. Elle refuse de se soumettre, de plier l’échine, de faire des courbettes, des compromis. Elle mène sa vie avec une grande noblesse d’âme et de caractère. Elle est cette jeune fille innocente, née dans la pauvreté, « engrossée » très tôt par un fils de famille. En raison de sa grossesse honteuse, elle traverse une première épreuve dont elle sort grandie. Elle est déterminée à ne plus jamais s’en laisser imposer. La voici forte d’un entêtement qui la conduit à l’affirmation justement de cette force. « Tu te fais cette femme aguerrie qui désormais choisit sa route et ses chimères. » Bertha devient l’insoumise, la tête forte, la femme de tête, l’amoureuse au grand cœur. Elle n’en aura que faire des ragots. Elle mènera sa vie comme elle l’entend. Elle aimera, enfantera, rayonnera. Elle chantera. Il faut lire le récit de Saint-Éloi pour être réchauffé jusqu’à la moelle par la beauté solaire de sa mère. Bertha sous sa plume devient une icône, peut-être à sa manière un symbole de ce que l’âme du peuple haïtien a de plus noble.

La mère du poète n’est pas une femme instruite. Et pourtant ! Dieu sait qu’elle a des idées, des idées peu communes, gagnées à la dure, sur le terrain de la misère et de la lutte menée au quotidien afin de survivre et pour pouvoir nourrir ses quatre enfants. Plus tard, lorsqu’elle vivra aux États-Unis, elle prendra soin de sa famille élargie à qui elle fera parvenir sans compter le peu d’argent qu’elle possède. Oui, Bertha a des idées : « Des idées et des convictions. Des causes. » Elle parle du racisme : « Le racisme en Amérique est une plaie. Les Noirs assassinés comme des chiens. » Elle dénonce également le racisme haïtien. « C’est quelque chose qui tient de la stupidité d’une certaine élite, nostalgique de l’esclavage. Des Noirs qui se prennent pour des Blancs, parce qu’ils ont la peau plus claire que les autres. Nègres complexés, ils se considèrent comme supérieurs parce qu’ils sont soi-disant riches, ou qu’ils habitent la haute ville, ou que dans leur tête, il y a ce résidu colonial, ce mépris qui se transmet comme une maladie congénitale. » Ainsi parle Bertha.

Elle parle en poète. Telle mère, tel fils. Elle est une révolutionnaire dans l’âme. Elle voue tout comme son fils un culte à Fidel Castro. Elle semble avoir tout appris à son fils, du moins l’essentiel. Par exemple, ce mot révolution qui lui vient de Castro, du Comandante, elle le refile à son fils. « C’est de lui que tu as hérité le mot révolution. Sais-tu que c’est par ce mot que je suis venu au monde, convaincu que les choses devaient être déplacées ? Ce mot, c’est de ta bouche que je l’ai appris. Les vies ne comptent pas si elles ne servent à autre chose, de plus grand, plus beau. Révolution, c’est le mot le plus beau dans toutes les langues du monde. »

Bertha est une femme qui donne sans compter, qui donne tout et ne demande rien en retour. Elle ne veut rien recevoir, n’accepte pas les aumônes. Elle est pauvre et généreuse. Elle donne, mais refuse la réciproque. Alors qu’elle connaît des déconvenues, son fils Rodney voudrait lui venir en aide, la soutenir, la secourir, elle s’efface, se retire et lui donne de plus belle à boire et à manger. Littéralement, elle continue de le nourrir, lui offre sa cuisine du pays natal, veille sur sa santé ou le réconforte quand il lui fait part de ses misères morales, de ses déboires.

« Le malheur d’une femme appartient à toutes les autres femmes. » Bertha est une femme. Elle n’est pas seule. « Tu es attentive à la vie des femmes. À cet héritage de peurs, de honte et de culpabilité qui leur a sciemment été inoculé dans le sang. » Dans un des derniers chapitres du récit, sa voix préservée sur une cassette portera un message combien émouvant à ses sœurs. Elle leur dira de bien graves vérités. « Causons, Commères. Ici, ce n’est point le paradis, comme on nous l’a dit. Il n’y a pas de paradis à New York. Pas de dollars au pied des arbres. Pas de vie. » Elle leur dira : « Quand la peine me pèse sur le cœur comme un bloc de glace, c’est à vous, mes sœurs, ma famille que je pense. » Un des chapitres du livre s’intitule « Femmes totales capitales », c’est tout dire. Bertha n’est pas seule à porter le flambeau. Il y a dans sa vie un « dialogue dont les femmes entretiennent le feu », c’est une entraide, un partage incessant. Elle vit à New York, sa mère est à Montréal. Elles se parlent au téléphone : « Aucune frontière ne semble vous séparer. Fille et mère, unies pour la vie, vous êtes ensemble à réparer les visages de celles qui partent, à pleurer celles qui meurent en pleine mer et à allumer une bougie pour celles qui demeurent. Vous vous parlez, Contita et toi, de choses et d’autres. Vous vous confiez entre femmes qui portent les charges de la vie sur leurs épaules. Vous continuez à vaquer à vos occupations quotidiennes. Vos voix dessinent les contours de l’exil. »

C’est à un monde de femmes que rend hommage l’écrivain. Les hommes, quant à eux, sont peu présents. Du reste, personne ne semble avoir de père dans le milieu décrit par l’auteur : « Les pères se retirent très vite même quand ils font semblant d’être présents. Ils collent aux ombres de la vie. Des pères Noël qui ne se pointent même pas en fin d’année. Les enfants du quartier sont leur propre père. Ils grandissent dans les jupes des grand-mères, des mères, des tantes et des voisines. »  Aucune figure d’homme n’est ici reluisante. On rencontre de rares modèles masculins. À l’exception du cousin Frank toujours serviable, du père de l’auteur (qui « avait un sens de la justice et du pays qui ne lui permettait pas de s’enrichir comme les autres. Il ne voulait pas fonder sa fortune sur la rapine et le mépris des gens humbles. »), de quelques autres comme le grand-père Tino, vieillard amusant aimé de tous, les figures d’hommes sont peu reluisantes. Certaines sont ambiguës. L’homme haïtien est parfois un animal social paradoxal. L’est tout particulièrement le père d’Ertha. Son cas mérite d’être mentionné. Il illustre assez bien l’idée que chez les humains, à l’exception de la peau, rien n’est jamais ni tout à fait blanc ni tout à fait noir. Cet homme est sympathique. Le jeune Rodney passe auprès de lui d’agréables moments. Bérard cependant porte l’uniforme des tontons macoutes. Il appartient à la milice. « Pas besoin de savantes études pour savoir que la milice tue, pille, endeuille les familles. Bérard a-t-il du sang sur les mains ? Bérard est un cas particulier. Un spécimen hors norme et hors genre. Il conseille ceux et celles dont un membre de la famille est en disgrâce, un fils emprisonné, un mari accusé, un parent dont le passeport n’est pas délivré par le palais. Il prend à cœur les doléances des uns et des autres. » Enfant, l’auteur aura beaucoup aimé le père de sa petite sœur. Il le rencontrera une dernière fois le 8 février 1986, dans des circonstances historiques exceptionnelles. Bérard devra se mettre à l’abri.

Les femmes endurent la souffrance en chantant. Dans sa maison, Bertha chante une chanson interdite sous la dictature. « Jij jjje’m byen. Que le juge me juge bien. » Du début à la fin du récit, le fils s’adresse à sa mère. Il lui dit : « Tu emmerdes ainsi les petits macoutes […]. Tu chantes toujours ta chanson quand il fait triste. Tu déroules les mots de ta chanson Jij jjje’m byen. Cette chanson exige du juge de juger en toute équité, au docteur de soigner la fille à l’endroit précis de la maladie, invite la mère à garder sa lucidité même quand sa fille paraît drôle à ses yeux. Paraître drôle dans ta langue créole veut bien dire ‘‘tomber enceinte’’. ».

On le constate en maints passages du récit, Bertha parle en poète. Elle parle aussi de manière théâtrale. À l’un de ses hommes qui tente de la reconquérir, elle déclare : « Si tu étais le dernier homme sur terre, le seul homme, après le déluge, j’aurais préféré, quand me prend une furie de femme en rut, me donner à un mâle chien, Oui, mieux vaut un mâle chien sur mon ventre que tout ce qui est toi. »

Il y a lieu de mettre en lien les qualités d’un tel discours avec le talent de son fils, son porte-parole. Il n’y a aucun doute à ce sujet, une telle femme n’avait pas la langue dans sa poche. On a vu qu’elle avait des idées, et non des moindres, on ne s’étonnera pas de trouver à son discours des accents enchanteurs et poétiques. Le créole pour peu que j’en connaisse m’est apparu au fil de la lecture, l’auteur y recourant çà et là, une langue particulièrement savoureuse. Il me semble qu’elle aille au but de manière à la fois poétique et économique. Évidemment, le livre de Saint-Éloi est écrit en français et, bien entendu, le monsieur est poète. Mais il n’est pas tombé du ciel ce poète, il vient plutôt des entrailles de Bertha. Elle est la femme qui lui a tout donné. Il y a fort à parier qu’il a hérité d’elle ses dons poétiques. Lui écrit. Tandis que sa mère est femme de parole. « Tu écris. Nous écrivons. Clarifions les choses. C’est moi l’écrivain. Je vole ta voix, transcris tes pensées. Tu parles dans ma tête. Un point, c’est tout. » « Tu parles en moi et j’écris avec ta voix cette lettre sans ménager personne, ni les visibles ni les invisibles. Je te dis simplement : ‘‘Prête-moi ta voix pour que j’existe. Prête-moi ta parole pour en faire un paratonnerre’’. »

Dans cet échange des voix, on peut reconnaître le rapport identitaire que Bertha et son fils entretiennent. Les deux forment un tout indissociable, un couple. Leur identité est en miroir, la parole du fils faisant écho à celle de la mère. Dès les premières pages, Saint-Éloi le confesse : « La voix de Bertha parle en moi. ». Ou encore : « Je suis désormais ma mère. » À quoi l’on peut ajouter : « Nos corps sont les mêmes. Nos souffrances aussi. Nous sommes deux oiseaux, même plumage, même envol, dans le même ciel du pays-pourri. Sauf que moi, ce sera pour plus tard.»

Avant d’aller rejoindre Bertha, Rodney ira encore de l’avant. Il ira sur la lancée de toutes celles qui l’ont aidé à devenir ce qu’il est. Il rend hommage à la lignée des femmes qui ont veillé sur lui et l’ont aiguillé dans le sens de l’amour et de la justice. Les femmes sont au centre de l’épopée lyrique que consacre Éloi d’abord à sa mère, puis à sa grand-grand-mère et sa grand-mère : «  Avant de mourir, je veux écrire pour témoigner de ces stations de calvaire, de la trajectoire de hasards et de bontés qui nous ont aidés à exister. Je veux dire comment nous avons traversé ces barrières, respiré et regardé là-haut l’étoile qui danse et nous fait signe de poursuivre la route. Je veux aussi dire merci, merci à toi, chère Bertha. Merci à Tida, ma grand-grand-mère, à Contita, ma grand-mère, et à toutes ces femmes qui m’ont tellement donné. J’aimerais écrire simplement pour dire merci, pour entrer dans le cercle de l’histoire ces visages de femmes qui ont allumé en moi un feu si ardent qu’aucun séisme ne peut éteindre. »

Dans ce livre si intime, ouvert sur le monde, embrassant la cause des Noirs et principalement voué à la célébration du personnage de Bertha, le poète se dévoile entièrement, quoiqu’en toute discrétion. Pour cerner le personnage de sa mère, pour le mettre en valeur, il lui faut retracer son propre parcours. Il ne rédige pas pour autant une autobiographie. Lorsqu’il se place à l’avant-plan, c’est pour occuper la tribune du célébrant. C’est en passant et par nécessité qu’il parle de lui et de sa vie. Mis à part les grandes lignes de son parcours, de son cursus d’intellectuel et d’écrivain, sur ce qu’il en est de sa vie il se montre discret. Ce n’est que dans de courts passages que paraissent sa première femme et sa fille. S’il évoque la nuit torride où son père le conduit auprès des filles afin qu’il soit initié aux plaisirs de la chair, c’est dans un chapitre de nature quasiment sociologique consacré à un rite de passage généralisé correspondant aux us et coutumes appartenant à longue tradition dans son pays natal. Danses lascives et filles des bordels font partie des coutumes.

L’écrivain parle de lui, se montre in situ alors qu’il travaille dans un journal. C’est de lui qu’il s’agit, mais dans la composition du portrait qu’il brosse entre beaucoup plus que sa propre personne. Encore une fois, il offre à voir au-delà de lui-même. Il analyse le rôle que joue le journal dans la société haïtienne, il dévoile les magouilles et dénonce les accointances des notables avec le pouvoir. La révolution de pacotilles dont ils sont les piliers est « la révolution éternelle du président-à-vie-et-à mort ». Le nom de ce dictateur, l’auteur se fait sans doute un point d’honneur de ne pas l’écrire dans son livre.

Lorsque Saint-Éloi évoque l’accueil que lui réserve l’Académie des lettres du Québec, le siège qui lui est alors offert, c’est pour montrer l’humilité et la sagesse de sa mère à cette occasion, alors que son fils l’invite à assister à la cérémonie où il prononcera un discours où il entend remercier la lignée des femmes à qui il doit tout, où surtout il lui dira merci.

Il y a des pages magnifiques dans ce récit. Je n’en finirais pas de les transcrire. Elles disent tantôt de manière troublante les horreurs de la dictature, le désarroi de l’exil, la laideur du racisme, les subtilités des nuances de la peau : elles font surtout l’éloge des femmes. Certaines pages offrent de magnifiques poèmes en prose.

Berthe est morte. La voici à nouveau vivante, car « La voix est ce qui demeure » (c’est le titre d’un chapitre). La voix est ce qui demeure et celle de Bertha est tout entière contenue, peu s’en faut, dans celle de son fils qui la retranscrit, qui la traduit en ses propres mots. Cette traduction, Rodney ayant pris soin dès le départ de souligner que « Ceci n’est pas un livre » (titre du deuxième chapitre), cette traduction, dis-je, n’a rien d’une trahison. Telle mère, tel fils. Le fils écrit, s’adressant à sa mère : « Tu ne sais pas ce que veut dire trahir. » Tout poète qu’il est, il n’aurait pas de mots assez grands pour surpasser la grandeur de sa mère. Ni dans un sens ni dans l’autre, il ne dit les choses de sa mère autrement que comme elles sont, en tout cas jamais ne va-t-il dans le sens de l’amoindrissement, quoiqu’à la rigueur il se permette d’aller dans celui de l’exagération, car ainsi le veut un puissant amour filial. Le fils fait le portrait de sa mère. Jamais n’exagérera-t-il suffisamment s’il veut se montrer vraiment fidèle à ce que fut Bertha. Il écrit : « ICI, ON EXAGÈRE. Le verbe exagérer te ressemble comme les verbes aimer, mourir, raconter. »

Lorsqu’on dit d’une œuvre littéraire qu’elle est belle, sa beauté formelle bien entendu y est pour quelque chose. L’artiste sait y faire. Il s’exprime et communique avec art. Il. C’est là une tautologie. En effet, à quoi d’autre doit-on s’attendre ? L’homme et la femme de lettres écrivent en connaissance de cause. Soit. Ils ont acquis leurs lettres, savent en jouer avec doigté. Cela va de soi. Or dans certains cas, il y a plus, beaucoup plus. Par exemple, si j’affirme que ce récit de Rodney Saint-Éloi est très beau, je souhaite surtout faire entendre qu’on y trouve plus qu’un trésor d’orfèvrerie, plus que de froides beautés parnassiennes. Dans un univers où l’idée de soleil s’élève au-dessus de tout, dans un univers où brille la présence d’une femme solaire, bien que le mot d’humanité soit galvaudé, c’est bien à lui qu’il faut référer pour témoigner de ce qui est ici mis en œuvre. L’évangile nous apprend que là où est notre cœur se trouve précisément notre trésor. Femme courage, Bertha, femme de cœur. Et telle mère, tel fils.

C’est un trésor d’humanité que nous offre Saint-Éloi. La beauté fleurit en l’humanité des personnes qui lui ont tout donné, au premier chef sa mère Bertha, sa grand-mère Contita et sa grand-grand-maman Tida. Le récit de Saint-Éloi est riche. Le fils chante aujourd’hui le même chant que sa mère. Elle lui a appris le chant qui dit tonbe leve. « L’essentiel consiste à se relever. »

Bertha a passé sa vie à se relever. Mais un jour, elle « a glissé sur une marche de l’église ». Elle s’est relevée une fois de plus. Elle a participé à la fête, elle a chanté, puis, quelques heures plus tard elle est tombée dans le coma.

À la fin du récit, alors que Bertha n’est plus de ce monde, on raconte à sa mère Contita une sorte de légende dorée. « À quoi bon rapporter à une mère le décès de sa fille, d’autant qu’à son âge, Contita n’y croirait pas. Grâce à ce subterfuge, ta présence est préservée, ton nom illumine la maison. » Ertha, la fille de Bertha, vit désormais avec Contita, elle en prend soin. Elle raconte à sa vieille grand-mère que Bertha a entrepris un long périple. On l’aurait aperçue « près de Gorée, sur une barque en pleine mer. » L’île de Gorée est située dans la baie de Dakar, au Sénégal. Elle est le symbole de la mémoire de la traite négrière en Afrique. En y retournant, Bertha est tout simplement revenue à sa vérité première, « au commencement de [son] histoire et de [sa] terre. »

Le parcours professionnel de madame Lise Gauvin impose le respect. Il est impressionnant. Mais on en ignorerait tout; par exemple, on ne saurait pas qu’elle a enseigné au Département des littératures de langue française de l’Université de Montréal, dont elle a été durant un temps la directrice; on aurait oublié qu’elle a longtemps œuvré au journal le Devoir à titre de chroniqueuse, travaillé à la radio culturelle de Radio-Canada ; on apprendrait aujourd’hui seulement qu’elle est écrivaine, autrice entre autres d’un magistral ouvrage intitulé La fabrique de la langue. De François Rabelais à Réjean Ducharme, ouvrage que j’ai lu à sa parution avec le plus vif intérêt ; bref, on ne connaîtrait rien de l’impressionnant parcours de Lise Gauvin (j’en donne à peine un aperçu) et plongerait aujourd’hui en toute innocence dans la lecture de son dernier roman que cela suffirait à susciter en nous le sentiment de la plus vive admiration.

J’aimerais montrer en quoi ce tout petit livre est remarquable. Mais d’abord, un détour s’impose. Une réflexion. Je serai bref.

Un ami, l’autre jour, me fait remarquer à quel point je semble aimer les ouvrages que je commente. Puis, non sans manifester un relatif agacement, il observe que ces ouvrages sont souvent très différents les uns des autres, à telle enseigne que les qualités des uns peuvent apparaître comme les graves défauts des autres. Ce qui suffit à soulever chez lui une manière de doute, car enfin, peut-on, me dit-il, apprécier à la fois une chose et son contraire ?

Je veux rappeler ici ce que je pourrais appeler les principes sur lesquels je fonde chacun de mes commentaires. Le jugement que l’on porte sur les ouvrages littéraires est forcément subjectif. La « nature » du lecteur, nature culturelle il va sans dire, l’incite à privilégier certains types d’ouvrages. J’ai donc comme tout un chacun mes préférences, mes prédilections. Je ne puis en faire fi. Cependant, mon rôle, celui qu’arbitrairement je me donne, consiste à tenter de saisir le propos d’une œuvre, à deviner si possible les intentions de son auteur pour rendre compte finalement du travail qu’il est parvenu à accomplir. Que j’aie ou non des affinités avec ce que je lis, cela importe peu. Si un auteur ou une autrice parvient à réaliser un ouvrage qui se tient, quelle que soit sa facture, mon devoir (comme un devoir d’écolier) est d’en rendre compte : « Voilà un livre : voici ce qu’on y trouve. »

Excellent pour moi, n’est donc pas nécessairement excellent aux yeux de tous.

Que le plus grand nombre puisse entrer dans une œuvre et y trouver matière à plaisir et à réflexion, cela à mes yeux constitue jusqu’à un certain point un gage de qualité. Encore faut-il apporter ici quelque nuance. Il y a des ouvrages romanesques destinés à un vaste lectorat. Des mesures sont prises par les éditeurs pour le lui faire savoir. Cela se crie sur tous les toits, est lancé sur les plus importantes plates-formes médiatiques. D’autres écrits sont cependant de nature plus confidentielle. Le grand public n’aura jamais vent de leur parution. Et pourtant, il y gagnerait. C’est le cas avec Et toi, comment vas-tu ? En effet, je constate que ce petit roman pourrait avantageusement être lu par le plus grand nombre. Une fois leur lecture entamée, lecteurs et lectrices peuvent la poursuivre sans rencontrer de difficultés majeures. Qui plus est, leur intérêt sera soutenu. La romancière a mis en place un dispositif qui peut d’abord dérouter quelque peu, mais la clarté de son propos et la limpidité de son style font que très rapidement est désamorcé l’apparent piège que constitue la structure ou si l’on préfère la composition de l’ouvrage.

Cette composition n’est pas sans être savante, fruit de l’intelligence, du savoir-faire. Or il est une différence qui saute aux yeux entre une œuvre strictement formaliste (où tout effort vise principalement à établir une complexe architecture, quitte à ce que celle-ci s’articule à même le vide) et une œuvre où la forme est mise au service du propos, appelée par ce dernier ou en tout cas destinée à le mettre en lumière.

Lise Gauvin a découpé avec de fins ciseaux un matériau dont le tissu traverse de multiples générations de femmes. Je parle en termes de travaux d’aiguille parce qu’on accomplit de nombreux ouvrages de couture chez les femmes que nous présente la romancière. De la première à la dernière, il y a passation d’une espèce d’ouvrage collectif, dont à chaque naissance elles prennent le relais. Gauvin nous offre une sorte de courtepointe. C’est là une image. Soyons plus concrets.

Et toi, comment vas-tu ? est un roman de vie et de mort. On assiste à des naissances, à des décès. Les personnages reçoivent la vie en héritage, puis la redonnent. Mais commençons par le commencement, c’est-à-dire par la fin : « Hier, maman est morte. » C’est l’incipit. Lequel fait songer à celui de L’Étranger de Camus. Clin d’œil ? Pourquoi pas. Malgré le sérieux de l’affaire, un brin de plaisir n’est pas interdit. Donc la mère vient tout juste de mourir. Elle et la narratrice, sa fille, sont les premiers personnages du roman. Mais elles ne sont pas les premières personnes que nous rencontrons dans ce livre. Une dédicace en ouverture nous fait découvrir trois personnes, bien réelles celles-là. Elles se nomment Andréanne, Marie-Ève et Lydia. On se demandera en quoi il est important de mentionner leur existence. C’est, nous pouvons dès maintenant l’affirmer en raison de la très mince cloison qui sépare, tel un fin tissu, celui dans lequel finement jouent les ciseaux de la romancière, qui sépare, dis-je, la fiction de la réalité. Le lecteur devinera, une fois parvenu au terme de sa lecture, que ces trois femmes sont sans doute les filles de l’autrice, et qu’elles ont en quelque sorte partie liée à l’histoire, je devrais dire « aux histoires », que raconte Lise Gauvin. La romancière prend bien soin dans la dédicace de préciser qu’elle entreprend son geste, geste de passation, « pour la suite du monde … » Me voici bien loin de questions d’ordre formel, mais le prénom d’Andréanne, première dédicataire, nous y ramène.

À l’exception de la narratrice, tous les personnages féminins de cet ambitieux roman (ambitieux non dans ses dimensions — nombre de pages —, mais plutôt dans l’étendue spatio-temporelle parcouru par la romancière) portent des prénoms partageant un point commun : ils riment entre eux. Ils riment justement avec Andréanne. Ces prénoms constituent les divers maillons d’une chaîne, celles d’un enchaînement généalogique. Chacune de ces femmes appartient à sa propre génération. On rencontre d’abord en descendant l’échelle du temps le personnage de Viviane, notre contemporaine. Elle est la fille de Marianne, qui est la fille de Réjeanne. Après un long saut temporel, nous découvrons enfin Anne. Petite orpheline, première de la lignée. À la Salpêtrière, dans la ville de Paris, elle apprend à l’ouvroir la couture et la broderie. Elle reçoit aussi des leçons d’écriture. Activité qui dans l’histoire que raconte Lise Gauvin est loin d’être insignifiante.

L’ouvrage de la romancière est divisé en cinq parties. Elles correspondent aux jours que passe la narratrice au chevet de sa mère. Celle-ci est désormais silencieuse, muette déjà comme une tombe. La fille veille au chevet de la mère, dont lentement s’échappe l’âme, ou en tout cas l’esprit. Le fil du dialogue est désormais coupé. À la question « Et toi, comment vas-tu? », la narratrice ne répondra plus jamais. Sa mère s’est tue. Un monologue s’enclenche. Il sera entrepris par souci de la suite du monde. Ce monologue sera constitué des divers morceaux que la narratrice parviendra à détacher des existences menées par ses aïeules. Dans le silence où la relègue désormais sa mère, la narratrice fait entendre leurs voix. Le texte liminaire du roman offre l’argument de ces récits : « Tout au long des cinq jours passés à la veiller, des images me sont venues en tête, nourries par sa propre vie et celles des femmes de sa lignée. » La lignée, voilà le fil, la ligne directrice du roman.

Cinq journées. Chaque partie correspond aux degrés descendants de l’agonie de la mère. Chacune ausculte les fines modifications que subit son organisme, enregistre les variations dans les soins administrés par le personnel soignant, tout en révélant les aléas de la pensée de la narratrice, de sa psyché alors que s’entame en elle le processus du deuil. Or la mère, nous le savons, est désormais contrainte au silence. Ce silence, il ne s’agira pas pour la narratrice de le meubler, mais il lui fournira l’occasion d’ouvrir « peu à peu la boîte aux souvenirs, guidée par [sa] mémoire généalogique. » Les prénoms des femmes qui défilent dans le récit soulignent les liens de la généalogie. Qu’ils soient inventés ou non importe peu. Ce qui en revanche ne paraît pas du tout inventé, ce sont les destins, les existences mêmes de ces Vivianne, Marianne, Réjeanne et Anne. Quoique pour redonner vie à cette dernière, il se pourrait que l’imagination de la romancière ait été davantage sollicitée. Elle a probablement dû entreprendre des recherches afin d’étoffer ce lointain personnage, pour pouvoir broder à son sujet, en tout respect cependant des réalités que vécurent en s’installant dans la colonie nos premiers ancêtres.

Le roman est composé de cinq parties. Elles correspondent aux différentes journées que passe la narratrice dans la chambre où se trouve la grabataire, la gisante déjà dans cette chambre quasi mortuaire. Un caractère typographique particulier est réservé aux sections où la narratrice est directement en présence de sa mère. Elle ouvre la boîte des souvenirs. En fait surgir ses personnages. Avec eux, elle recule dans le temps. Les lecteurs et lectrices étrangers à ce type de dispositif formel pourront tout d’abord être décontenancés. Leur perplexité sera de courte durée. Ils comprendront bientôt les relations que la romancière établit entre chacun de ses personnages. Ainsi, rétrograderons-nous, passant du personnage de Viviane, à celui de sa mère, à celui de sa grand-mère et enfin, à Anne, la première de la lignée. Pour chaque journée où leur histoire est relatée, la romancière ne s’ajuste pas systématiquement à ce schéma. De chapitre en chapitre, il lui arrive quelque peu de modifier l’ordre d’apparition des personnages.

D’autres éléments d’ordre formel sont à souligner. Ils concernent les voix de la narration. Un mot avant d’aborder la particularité de ces voix. Je tiens à souligner immédiatement que ce sont des voix auxquelles les lecteurs et les lectrices se montreront sensibles. C’est qu’elles font entendre des paroles de femmes, elles donnent accès à un monde de fine sensibilité, j’ajouterais de courage et de curiosité. Ces voix ne manifestent pas une manière de sensiblerie, mais bien plutôt une intelligence de la vie qui chez ces femmes se transmet de mère en fille. C’est comme si un feu tranquille passait de l’une à l’autre. Ces femmes veillent à ce qu’il ne s’éteigne pas. Mais j’extrapole, tout compte fait, ce feu est une image, une approximation. Il représente l’héritage que ces femmes laissent à leur descendance pour la suite du monde.

Dans le roman de Lise Gauvin, la particularité des voix réside en leur diversité, surtout en la forme pronominale qu’elles prennent chez les narratrices secondaires, tantôt personnages à part entière, tantôt porte-parole plutôt de la vie de femmes qui n’ont voix au chapitre que de manière indirecte. Ces voix se présentent ainsi. Elles sont associées, on l’aura compris, aux personnages principaux du roman. La première voix est comme de raison celle de la narratrice principale. Celle-ci est au chevet de sa mère. Elle assure la chronique de sa lente agonie. Elle évoque aussi la vieillesse de celle-ci, ses dernières années de vie. Cette narratrice parle de sa mère au « je » : « Je venais à peine d’arriver au salon des visiteurs lorsque l’infirmière est venue me chercher. »

La seconde voix semble confiée à une seconde narratrice. Avec cette dernière, le « je » des premières pages s’efface au profit d’un « vous » dont l’effet, me semble-t-il, est de tenir à distance un second personnage de femme. Vivianne. À vrai dire, il ne s’agit pas encore d’une femme, mais bien plutôt d’une fillette. Nous sommes en 1945. La romancière présente ce personnage en recourant à une narratrice qui s’adresse directement à cette Vivianne, qui relate ses faits et gestes en les lui rappelant.  « Vous aurez bientôt cinq ans. » Nous comprendrons bientôt en recoupant une série d’informations que Vivianne est nulle autre que la première narratrice, celle-là même qui assiste au décès de sa mère, et qui entretient, du moins le supposera-t-on, des liens plutôt étroits avec la romancière. Le « vous » permet donc un travail de distanciation qui confère au récit un caractère fictionnel. En recourant à ce pronom, la narratrice entre ainsi en relation avec une autre elle-même qui se révèle être sans doute plus proche de ce qu’elle est. Le miroir de la fiction ne déforme pas sa réalité, il la reforme un peu comme le fait le rêve, toujours profondément révélateur d’une part de soi, sans doute la plus significative. Quoi qu’il en soit, avec Vivianne les lecteurs sont amenés à assister à l’émergence, à la naissance d’une intellectuelle, d’une écrivaine. Nous y reviendrons.

Toujours, lorsqu’il sera question de Marianne, la romancière utilisera le pronom « elle ». C’était « vous » pour ce qui concerne sa fille Vivianne. C’est « elle » avec la mère. C’est ensuite « tu » pour Réjeanne, mère de Marianne et grand-mère de Vivianne. À vrai dire, la romancière fait alterner ses personnages, non pas différentes narratrices. Le mode choisi pour présenter les personnages, je veux dire le recours à ces différents pronoms, accentue justement leur spécificité ; comme une couleur en peinture, une tonalité en musique, cette façon de faire confère une plus nette unicité à l’univers de chacune de ces femmes. Si tout cela paraît technique, à la lecture nous n’éprouvons aucunement le poids de l’abstraction ou l’impression d’un jeu gratuit, d’une pose stylistique.

Le personnage d’Anne est le plus éloigné dans le temps. La narratrice la présentera de la manière la plus usuelle, en recourant au « elle » qu’utilisent traditionnellement les narrateurs omniscients. Fait à noter, comme si la boucle se bouclait, comme si en l’origine déjà était amorcé le processus de l’écriture que perpétuera Vivianne trois siècles plus tard, Anne tiendra un journal. À partir du quatrième jour, la narratrice lui donnera la parole.

Ainsi le « je » est-il employé aux deux extrémités de la lignée généalogique. L’ancêtre en vient à s’incarner en tant que sujet autonome dans un « je » personnel, tandis que l’écrivaine (personnage principal du roman, alias Vivianne) raconte au « je » les cinq journées qu’elle passe auprès de sa mère agonisante. De la mère, il sera dit ceci, que je trouve plutôt révélateur : « Elle a fait partie d’une génération qui ne s’est pas encore donné l’autorisation de dire je. »

Anne, la petite orpheline venue de France vers l’âge de quinze ans, aura donc accédé à la parole. En son propre nom, elle aura écrit, raconté sa propre histoire, celle d’une libération, d’une aventure où elle se sera accomplie, dans le souci des autres, dans le souci de la suite du monde.

En juillet 1700, alors âgée de quarante-neuf ans, elle écrit dans son journal : « Malgré la dureté du climat, les risques des attaques iroquoises et les ressources limitées, je suis toujours d’accord avec mon choix de venir en Amérique. // Cela m’a permis d’avoir une vie à moi. // J’espère aussi avoir posé quelques balises pour les générations à venir. // Puissent mes descendants un jour m’en savoir gré. »

« J’espère aussi avoir posé quelques balises pour les générations à venir. // Puissent mes descendants un jour m’en savoir gré. » N’est-ce pas là ce qu’exprime la dédicace du livre : « À Andréanne, Marie-Ève et Lydia / pour la suite du monde » ? Ce souhait est également formulé par d’autres personnages à l’intérieur du roman. Ainsi, lors de la deuxième journée passée auprès de sa mère, la narratrice se souvient que peu de temps avant le décès de sa grand-mère, elle aussi hospitalisée, elle lui avait promis de venir lui présenter son bébé. Elle en était alors à son septième mois de grossesse. Sa grand-mère avait souhaité que le bébé soit une fille … « pour me continuer. »

La narratrice répondra bien plus tard au désir de sa grand-mère. Cette dernière décéda quelques jours après la visite de la future maman. Elle ne vit jamais l’enfant. C’était un garçon. La narratrice écrit : « Les filles vinrent plus tard, beaucoup plus tard, grâce à mes enfants, prendre le relais pour la suite du monde. » Tout compte fait, que ce roman soit ou non une autofiction, qu’il soit ou non fort proche de la réalité de son autrice, nous pouvons supputer ici, mais cela ne nous regarde pas vraiment, que conformément à ce que nous venons de lire, dans la vie de la romancière ce seraient ses garçons qui lui auraient « donné » des filles pour la suite du monde. La dédicace désignerait ses petites-filles.

À la fin de la troisième partie, celle qui correspond à la troisième journée, la narratrice déplore le décharnement du corps émacié de sa mère. Elle se souvient. De sa boîte à souvenirs elle extrait une catalogne. « Confinée à la maison pour s’occuper de mon père, elle en avait profité pour maîtriser le tissage et exécuter des tapisseries qui lui survivront longtemps. Comme les catalognes confectionnées par ma grand-mère, ces ouvrages traversent le temps avec sérénité. »

Le fil qui traverse le roman de Lise Gauvin est celui de la filiation, de la transmission, de la continuité. Un objet est porteur d’âme; dans ce roman, l’objet dit l’amour, l’espoir, l’esprit de la découverte, la poussée vers l’avant. Il témoigne évidemment du passé, de ce qui à travers lui passe au présent et parviendra enfin à l’avenir. L’objet circule de main en main. C’est une tapisserie, une catalogne ; ce sont des tableaux (la moribonde avait une âme d’artiste, elle avait peint de nombreux tableaux : « Tous ses murs étaient ornés de tableaux. Ceux-ci attendent maintenant dans un entrepôt avant d’être dispersés. »).

L’objet est aussi un carnet d’écriture, il correspond à un journal intime. Peu de temps avant sa mort, Anne, la pionnière, en date du mois de juillet 1710 écrit : « Hier, une de mes petites-filles, me voyant rédiger ces notes, a souhaité obtenir un cahier pour écrire elle aussi. Quand je lui ai demandé pourquoi elle éprouvait ce désir, elle a répondu qu’elle voulait vivre deux fois, une fois en vrai et une fois à travers les mots. Qu’elle voulait arrêter le temps. // C’est à elle que je léguerai ce journal. »

Inutile d’insister davantage sur ce point. Ce roman est testamentaire (le dernier livre d’un auteur est toujours son dernier livre, en attendant le suivant), il a poussé ses racines au plus creux du journal d’Anne, a pris le relais des écrits de la première aïeule. La narratrice, elle-même écrivaine, a hérité de cette faculté qu’avait Anne de mettre en mots des tranches de sa vie. Tout est ici affaire de transmission. Le dernier mot du livre est justement « héritage ».

Je devrais indiquer ici à quel point ce dernier mot sonne juste, sonnant justement le glas du roman dans un contexte mettant en valeur son titre, lui ajoutant devrais-je dire une plus-value. C’est un choix que j’ai fait et refait ici, celui de ne pas dévoiler le sens et la portée de ce titre. Il convient de donner aux lecteurs et aux lectrices du roman le plaisir de la découverte. Je ne puis cependant les laisser dans l’ignorance de l’essentiel. À vrai dire, je n’ai encore rien dit de tout ce qui fait la richesse de ce roman. Je le trouve éblouissant de sobriété, de retenue et, donc, de puissance évocatrice. Lise Gauvin est une artiste. Elle écrit avec la touche et le doigté de la musicienne qu’elle est. Vivianne est d’ailleurs musicienne.

La richesse de ce roman, dont il faudrait souligner davantage les qualités d’écriture et de composition, ne se borne pas à ces qualités. Elle réside également dans les histoires que raconte la romancière, dans les propos qu’elle tient, dans les magnifiques personnages auxquels elle parvient à donner vie. On se prend réellement d’affection pour eux. Ils sont attachants. Ce sont des femmes qui vivent dans un monde qui nous est familier. Elles sont nos femmes (Vivianne est notre contemporaine : il y a une quarantaine d’années, elle aurait pu m’enseigner). Elles sont nos mères, nos grands-mères, des femmes dont nous savons au fond fort peu de choses, dont les réalités concrètes et historiques disparaissent peu à peu de nos mémoires. Or la romancière, sans pour autant être historienne, parce qu’elle connaît bien le Québec où elles ont vécu, parvient à inscrire le destin sensible de ces femmes dans le temps de l’histoire. Elle fait revivre des époques plus ou moins anciennes en restituant l’air du temps propre à chacune, en restituant de ces époques l’équivalent mental des décors où elles évoluèrent, en peignant le fond sur lequel se sont détachées les histoires de ses personnages.

Il n’est pas une seule section du livre où les gestes des protagonistes ne soient présentés en parallèle avec les grands moments de notre histoire. Lise Gauvin raconte nos années. Ainsi pour Vivianne : « L’année de votre naissance, en 1940, le droit de vote a été accordé aux femmes, l’Allemagne a envahi la France, des Juifs sont morts par milliers … » Pour Marianne : « Elle est née le 4 juillet 1917, jour de fête de l’Indépendance américaine. Quelques mois plus tard, le régime tsariste était aboli en Russie. Quelques mois plus tôt, à Montréal, avait lieu une manifestation contre l’enrôlement forcé dans l’armée canadienne des hommes en état de se battre. »  Pour Réjeanne : « Tu as vingt ans, la vie devant toi et déjà un passé. // On dit qu’en avril, un navire a heurté un iceberg dans l’océan Atlantique, au large de Terre-Neuve, entraînant le décès de mille cinq cents personnes. Tu as du mal à croire à pareille catastrophe. » Pour Anne enfin : « Une épidémie de peste sévit en Italie et ailleurs en Europe : la ville de Naples est particulièrement touchée et Paris résiste plutôt mal à la contagion. » ou encore : « Tout près de là, au Louvre, Louis XIV, âgé de vingt-trois ans, choisit d’assumer directement le pouvoir. Conseillé par son ministre Colbert, il prend officiellement possession du Canada, alors sous la gouverne de la Compagnie des Cent-Associés, et décide de donner à la colonie le statut de province de France. »

Le cinquième et dernier jour est un mardi. C’est le jour du décès de la mère. La narratrice poursuit son récit. Elle écrit. Elle décrit. Sont notés les gestes accomplis par le personnel soignant, les décisions prises par le corps médical, la moindre variation pourrait-on dire de l’atmosphère régnant dans la chambre; la narratrice constate l’amenuisement de l’être de sa mère, l’irrégularité du pouls, le rétrécissement graduel, la lente disparition, cette profonde absence où peu à peu se retire la moribonde. « Le sac qui sert à recueillir l’urine, situé à côté du lit, se remplit goutte à goutte. Plus aucun son ne sort de la bouche. »

Au goutte à goutte de l’urine qui s’écoule correspond celui de la narration soulignant, accompagnant les légères transformations du lent déclin de sa mère en pente douce. La narratrice dit les choses simplement, sans pathos. Or cette retenue procède à la manière de la litote, allant dans le sens inverse d’un tumulte que l’on sait grand, d’un désarroi que l’on sait profond. En fait, moins la romancière nous en met plein la vue, plus elle est discrète, pudique pourrait-on dire, jouant des mots pianissimo, plus le lecteur est à même de saisir la gravité de la réalité qu’elle expose. En collant d’une manière neutre et clinique aux événements, aux sentiments qu’elle ressent, la narratrice, et à travers elle la romancière, parviennent à toucher la corde sensible du lecteur.

Je n’ai fait qu’effleurer les histoires de femmes racontées dans ce roman. Les lecteurs en prendront eux-mêmes connaissance. J’ai dit le plaisir que j’ai eu au contact de ces femmes. Leur univers m’a touché. C’est que la romancière a produit un ouvrage à la fois sensible et intelligent, dans une langue mesurée, dont les qualités résident dans sa justesse et sa sobriété. Lise Gauvin sait écrire. Elle a appris son métier de longue date. Sa maîtrise de la langue lui permet de s’exprimer avec naturel. Seule une culture bien assimilée ainsi qu’une intelligente sensibilité donnent accès à un tel naturel.

On rencontre parfois dans nos lectures des œuvres si bien écrites, on les lit avec tant de facilité et de bonheur, qu’elles nous paraissent avoir été écrites en toute innocence, sans avoir véritablement nécessité quelque forme de travail que ce soit. En réalité, avec Et toi, comment vas-tu ? le travail se situe en amont, amorcé depuis une très lointaine pionnière, poursuivi à travers les générations et finalement pris en charge par une jeune Vivianne, studieuse et appliquée, curieuse de culture et fort talentueuse. Le travail de Lise Gauvin est invisible. Le labeur ne paraît pas. Pour peu, le lecteur pourrait croire qu’il eût pu lui-même écrire un tel ouvrage. Il n’en est rien.   

La discrétion de l’écriture est une qualité qui sur soi n’attire pas forcément l’attention. Pourtant, cette invisibilité relative est souvent remarquable d’efficacité, voire d’inventivité. C’est ici le cas. La manière de Louise Dupré est en apparence toute simple. Elle tient peut-être à la nature de l’autrice, à sa personnalité, peut-être également chez elle à une volonté d’ordre esthétique la conduisant à un patient travail d’épuration. Je n’en sais rien. Je me borne à constater l’excellence du produit final.  

On chercherait en vain dans ce roman quelque passage de haute voltige, des éclats, de l’esbroufe. Des acrobaties verbales, on n’en trouve pas. Même sur le plan lexical, Dupré fait montre de sobriété. Les cruciverbistes ne trouveront pas en son œuvre pâture à leur passion. Les goûts ne se discutent pas. Ils se savourent.

Nul n’est dans l’atelier de la romancière. On ne peut donc que présumer, l’imaginer veillant à ce que son ouvrage propose un dispositif favorisant la lecture. L’autrice a accompli son travail en se chargeant pleinement du labeur. Le lecteur et la lectrice par après en récoltent agréablement le fruit. J’ignore si telle était son intention, mais le résultat est concluant. Du travail de l’écrivaine découle notre plaisir de lecture. Attention ! Je ne dis pas que lecteurs et lectrices en sont réduits à un état de pure passivité. Bien au contraire, afin de vraiment recevoir ce qui leur est offert, ils doivent demeurer vigilants. Du reste, ce qu’ils trouvent dans Théo à jamais n’a rien à voir avec le fauteuil lénifiant que désirait tendre un Matisse aux amateurs d’art, ambition dont par ailleurs il n’y a rien à redire : en effet, pourquoi s’interdire « calme, luxe et volupté » ?

Si l’autrice facilite en quelque sorte la lecture de son roman, elle n’épargne cependant pas ses lecteurs. Elle les confronte plutôt à de dures réalités, à de graves problèmes, dont la dureté et la gravité sont d’autant plus saisissantes que rien dans la transparence du dispositif mis en place par la romancière ne s’interpose entre les malaises qu’elle communique et leurs répercussions chez les lecteurs. Sa façon de faire met en lumière et presque sans ombre la matière de son roman. Ce principe, du reste, est à l’œuvre dans les autres aspects de cette œuvre. Non seulement, comme mentionné déjà, la phrase est-elle parfaitement limpide, mais du début à la fin, la narration coule pareillement de source, en toute clarté, à travers de brefs chapitres apportant chacun invariablement de nouveaux éléments à l’histoire racontée. Cela, tous les romans ne l’offrent pas, qui souvent piétinent, font du sur-place. Or il se passe toujours quelque chose dans Théo à jamais. Que ce soit au niveau des faits et gestes des personnages, tous plus attachants les uns que les autres, ou dans les sentiments et les pensées animant, perturbant la narratrice. Ce roman a beau ne pas carburer à l’action, ne pas privilégier l’aventure, on éprouve au fil de sa lecture le constant désir de s’y engager plus avant. C’est que la quête entreprise par la narratrice devient également la nôtre. À sa manière, cette femme mène une enquête.

Tout comme Béatrice Hubert, narratrice et personnage principal, nous voulons comprendre ce qui a pu pousser son fils à commettre l’irréparable. Comment Théo en est-il venu à se transformer peu à peu en une sorte de monstre ? Cette question, nous nous la posons. Elle taraude la narratrice. Mais ce n’est pas tout, pas l’essentiel. Il y a plus. Le drame vécu par la famille de Théo n’est pas singulier. Il s’inscrit dans une histoire plus large, plus globale. Si Théo a agi seul, son cas n’est pas unique.

Dès la première page, la narratrice fait part de son désarroi. Elle raconte qu’au moment où se sont produits les événements, elle s’affairait au montage d’un documentaire portant « sur les tueries dans les écoles ». En acceptant ce contrat, elle ignorait ce qui l’attendait dans un proche avenir. C’était sans compter sur de troublantes coïncidences. La sonnerie du téléphone retentit alors qu’elle se trouvait au studio. Un drame venait de survenir à Miami, à l’université où son mari prononçait une conférence. Karl Glackmeyer et leur fils étaient tous deux dans un état critique à l’hôpital. Elle devait les y rejoindre.

Partir en laissant le chat derrière. Le chat grâce à qui tout a commencé dans le bonheur et dans la joie. Un chaton perdu. Béatrice l’adopte et s’en amourache, mais au bout de quelque temps, ayant vu une affiche déplorant sa disparition, elle se résout à le rendre à ses propriétaires. C’est alors qu’elle fait la rencontre de Karl et de ses deux jeunes enfants. La mère de ces derniers est décédée dans ces circonstances qui n’ont jamais vraiment été élucidées. Béatrice entre dans la vie de cette petite famille, épouse Karl et devient la deuxième mère d’Elsa et de Théo. Des années passent.

Point de départ de l’histoire, le chat Darwin est un personnage secondaire fort important. Il traverse le récit, apportant du réconfort à Béatrice. « Darwin est ton antidépresseur, me disait souvent Karl en riant. Un animal ne permet-il pas de donner de l’affection et d’en recevoir sans attente aucune ? D’ailleurs, Darwin ne supportait pas les larmes, il savait si bien consoler les enfants quand ils étaient petits. »

Suite à l’appel où Helen Gardner lui annonce que Karl et Théo sont « entre la vie et la mort », Béatrice interrompt momentanément son travail de monteuse. À son retour de Floride, après le drame, il lui sera difficile de se replonger dans le sujet qu’aborde le documentaire, sujet que cette fois-ci elle connaîtra de l’intérieur, étant elle-même une des victimes collatérales de la tragédie qui a failli emporter son mari, étant de surcroît la mère du jeune criminel qui a tenté de l’assassiner. Théo, tireur fou, ange noir exterminateur, s’il n’avait pas été abattu sur le champ par un agent de police du campus, aurait-il vidé le reste de son chargeur sur les étudiants et les professeurs alors présents dans l’auditorium ? Cette question et des dizaines d’autres minent et sapent le moral de la narratrice. Le travail amorcé professionnellement sur le plan du documentaire trouve maintenant en elle de nouvelles résonnances. Le crime commis par Théo, la mort de son enfant ravivent un trouble qui d’abord était de nature intellectuelle. Elle se trouve maintenant confrontée corps et âme au phénomène des tueries dans les institutions scolaires. Sa douleur à son tour induit la réflexion, l’alimente.

Béatrice réfère aux horreurs collectives de l’histoire, plus précisément à celles de la Shoah. Elle fait des liens. Comprendre passe par un travail de mise en relations, de parallélismes faits entre des situations vécues autrefois et leur résurgence. Tout comme le chat Darwin traverse le récit, un autre personnage fort important y jette un constant éclairage. Il s’agit d’Heinrich, l’oncle de Karl et de sa sœur aînée Monika. Aujourd’hui, un vieillard, cet oncle « a survécu à Dachau ». On l’y avait enfermé en raison de ses idées politiques; il était communiste. « Récemment, Heinrich a eu une pneumonie, mais il s’est rétabli. Ses années sont comptées, il le sait, et il l’accepte. Ce qui l’inquiète, c’est l’extrême-droite (sic) qui monte un peu partout, en Europe comme en Amérique, l’impression de revivre sa jeunesse, Je ne veux pas mourir en plein cauchemar, a-t-il avoué à Karl. » Autre question, Théo s’est-il radicalisé ? Est-il passé à l’acte pour des motifs idéologiques ? Frayait-il avec Daech ? Doit-on suivre l’une de ces pistes pour comprendre ce qui a pu se passer dans la tête de Théo ?

L’extrême droite préoccupe la narratrice. « Tout à l’heure, Karl m’a apporté le journal avec un air d’enterrement. À la une, on répète ce que nous avons appris hier soir à la télévision, nos voisins du sud viennent d’élire un voyou de l’extrême-droite comme nouveau président. » Cette élection lui rappelle un mot de l’oncle Heinrich : « Durant le nazisme, la haine était exploitée à des fins politiques. » Incidemment, si l’on ignore qui a vendu un révolver à Théo, on connaît maintenant « le nom du propriétaire de l’arme, un red neck qui avait sûrement fait campagne pour le nouveau président. »

À grande échelle, il y a les crimes, les horreurs, les désastres de l’histoire, les « massacres, le ciel bleu de l’Algérie ou du Rwanda, un gel féérique sur les bouleaux de Birkenau. »  On tente de comprendre ces phénomènes politiques, idéologiques, historiques. On n’y parvient pas toujours, pas plus qu’on ne parvient à expliquer, à plus petite échelle, les crimes perpétrés par des individus comme Théo qui en mourant a emporté avec lui les motivations secrètes de son geste. Pourquoi a-t-il voulu tuer son père ?  

La première réponse venant à l’esprit de Béatrice procédera d’un réflexe, commun, du moins, semble-t-il, d’après les témoignages qu’elle recueillera après le drame. Tous les parents des jeunes criminels, terroristes ou non, en viennent à éprouver un fort sentiment de culpabilité, exception faite pour ceux qui avalisent de tels gestes. La faute reposerait donc sur les épaules des parents. Ces derniers seraient les principaux responsables. C’est ce que généralement eux-mêmes ressentent. S’ils avaient mieux éduqué leur fils, rien de tout ce qu’il commis de grave ne se serait produit. Théo ne serait pas passé à l’acte. Combien de fois dans ce récit verrons-nous Béatrice s’adresser « une litanie de reproches » ? « Cette année, ma tristesse avait un visage, elle était rattachée aux cendres d’un cadavre qui seraient inhumées au printemps. Notre enfant chéri, notre petit Théo, qui avait décidé de bousiller sa vie et la nôtre. Et nous ne l’en avions pas empêché. Nous ne l’avions pas protégé contre lui-même, nous ne nous étions pas protégés non plus. J’avais beau me répéter que les parents ne sont pas des boucliers pour leurs enfants, la pensée d’avoir failli à ma mission me poursuivait comme l’œil de Dieu. »

Dieu est celui qui juge et qui ultimement pardonne. On se juge soi-même à partir de normes préétablies. Ces normes exigent que l’on se conforme à des modèles. Heinrich en est un, mais il n’est pas un modèle répressif. Le vieil oncle est plutôt un être de compassion. À la fin de l’histoire, quand enfin on lui aura appris les circonstances de la mort de Théo, il n’adressera aucun reproche à Karl. Il représente dans ce récit une forme d’autorité, de probité morale devrions-nous plutôt dire. On rencontre aussi une forme d’autorité dans la personne de la mère de Béatrice.

La narratrice dans son enquête, dans son entreprise visant à comprendre, réalise bientôt qu’elle ne peut se couper du problème qu’elle scrute à la loupe. Son histoire fait partie de l’histoire de Théo, est en lien direct avec la vie et donc, le crime de Théo. Ce crime trouve une partie de ses racines dans l’existence même de Béatrice. Celle-ci a influé sur la trajectoire de Théo. Ce n’est pas là une question de culpabilité, c’en est une de responsabilité.

Qui est Béatrice ? Elle est la fille de sa mère Solange, dont le prénom rime avec ange. Il y a beaucoup de rimes dans ce roman, de nombreuses analogies, des répétitions, des similarités. Béatrice est l’enfant de la norme, la fille qui doit faire son devoir, celle qui doit être parfaite, au risque de sombrer dans la folie. Elle est la femme qui, bien que s’étant souvent opposée à sa mère, reviendra sur ses positions, réactions épidermiques, allergies à un conformisme plein de gros bon sens dont elle n’aura pas toujours su prendre la juste mesure. Les choses ne sont jamais aussi simples qu’il y paraît. Il se pourrait cependant qu’elles soient également moins compliquées qu’on le croit. Béatrice est une intellectuelle, elle cherche à comprendre. Autour d’elle, des êtres moins articulés parviendront à l’aiguiller dans sa recherche de la vérité, dont sa mère qui, bien amont dans son existence, lui aura légué à la fois la conscience du mal et son remède.

L’idée de normalité va de pair avec une certaine moralité, laquelle est inculquée dès l’enfance par les parents justement et, dans le cas de Béatrice, principalement par sa mère. Si le conformisme s’acquiert par le biais de l’éducation, un mal qu’il est censé combattre est, lui, plutôt de nature héréditaire, transmis de génération en génération. La folie meurtrière qui s’est emparée de Théo n’est pas passée du sang de Béatrice à celui de son fils. Elle n’est pas sa mère biologique. Pourtant, en remontant dans son passé, elle retrouve dans sa famille un vieil oncle qui a dû être interné. La mère de Béatrice disait « qu’on s’habitue à tout ». Ce type de discours irritait Béatrice au plus haut point. « J’aurais dû lui demander à quoi elle avait dû s’habituer de si terrible. Aux problèmes mentaux de son frère peut-être, je n’en avais jamais parlé avec elle, et je me le reprochais. »

Béatrice est dure avec elle-même. Sa belle-sœur Monika lui en fait la remarque. « Ce que tu peux être dure avec toi-même. Oui, j’étais dure, je m’étais toujours placée dans le rôle de la coupable, ça me venait de l’enfance, de l’odeur des cierges et de l’encens, de l’image du Christ sur la croix. Mais peut-être aussi d’un savoir hérité d’un âge dont plus personne n’avait souvenir, de l’intuition que personne n’est innocent. » On pourrait commenter longuement cette citation. J’en retiens cette notion d’un « savoir hérité ». À vrai dire, Béatrice, me semble-t-il, comprend ce qu’elle cherche à comprendre avant même de l’avoir tout à fait compris. Après avoir réalisé qu’« on ne se débarrasse jamais de ses réflexes d’enfance », ceux entre autres qui poussent à mentir, à quoi l’on peut ajouter celui qui consiste à éprouver des sentiments négatifs de honte et de culpabilité, elle fait mention de ce savoir qui lui vient de ce que lui ont transmis sa mère, l’école et la religion.

Personne donc n’est innocent et nous sommes tous coupables. Si une telle pensée n’explique pas le geste de Théo, du moins peut-elle conduire Béatrice à faire un pas de plus dans la compréhension qu’elle a de son propre cheminement. « J’ai soudain vu un lien entre ma culpabilité et mon désir de perfection. » La mère parfaite, même de substitution ou simple figure de mère, prend soin de son enfant et le conduit sur le droit chemin, celui justement de la perfection. Nul n’est parfait. Béatrice le sait.

En tentant d’élucider le mystère de la tentative d’assassinat, elle ne peut éviter d’être confrontée à sa propre histoire. Le crime de Théo lui propose toute une série de « rimes ». La narratrice emprunte ce terme au Paul Auster de L’invention de la solitude. Rime réfère ici au phénomène de la synchronicité, celle-ci étant relative à des événements mentaux ou des situations que rien ne relie directement de manière factuelle, mais qui trouvent dans la conscience de l’individu une importance hautement significative. Béatrice en menant son enquête glisse progressivement dans son propre passé : « comment aurais-je pu éviter d’entrer dans les méandres de mon histoire personnelle ? Me voilà replongée dans le spectre de la maladie mentale. Décidément, l’internement de mon oncle me poursuivra toujours. »

Nous vivons dans ce que la narratrice appelle tantôt une « prison intérieure », tantôt « un cloître intérieur ». Des démons nous habitent, qui parfois ont le meilleur de nous; ç’aura été le cas avec Théo. Nous nous débattons. L’oncle Guy a été interné. Béatrice est elle-même une personne fragile. Elle a déjà été en crise. « Moi, l’été de ma crise, j’avais dissimulé mon vacillement. J’avais réussi à berner tout le monde, je m’étais accrochée, j’avais attendu que la tempête passe, je me répétais tous les jours que je pouvais demander du secours si jamais je chavirais, demander du secours, oui, mais secrètement. La volonté ferme, indiscutable, de ne mêler personne à mes problèmes. Était-ce de l’orgueil ou de la fierté ? Sans doute la peur de perdre complètement pied, comme mon oncle. »

Le crime de Théo porte atteinte à l’image que projette et qu’a d’elle-même Béatrice. Elle a beau tenté de se raisonner, « rien ne m’apaisait, rien ne redorait mon image de mère. Rien ne m’enlevait mon sentiment d’échec. » La quête de vérité qu’elle mène, une enquête à vrai dire, devrait non seulement lui permettre de comprendre les motifs de Théo et l’état d’esprit qui était le sien dans les semaines et les mois précédant son passage à l’acte, mais il devrait aussi lui permettre de rapiécer sa propre image, de se recentrer sur elle-même, de retrouver une certaine stabilité. Après une dispute avec Karl, alors qu’elle s’acharne à vouloir comprendre, contrairement à lui qui désire lâcher prise, elle note : « Qu’est-ce que je voulais savoir ? Je voulais savoir si je m’étais fait manipuler comme une enfant, si j’étais encore capable de lire correctement un comportement. Je voulais savoir si j’étais folle. J’ai senti mes joues inondées par un déluge de larmes que j’essayais de refouler, c’était la première fois que nous nous disputions depuis le drame. Voilà que je m’effondrais, je n’aidais pas Karl à récupérer. Décidément, ma belle image craquait de partout. »

L’image, on le voit, est ici une superposition, un recouvrement, un voile destiné à dissimuler un trouble profond, à sauver à tout le moins les apparences : « nous nous taisons, nous jouons le jeu de la normalité, domiciles stables, conjoints stables, chaque famille a ses tabous. Mais c’est moi qui ai passé le plus de temps auprès de mon grand-père. Je suis l’aînée, je suis sans doute celle qui a vécu le plus durement l’entrée de notre oncle à l’hôpital psychiatrique. Flavie, elle, était trop petite. Et pourtant, elle a été touchée, j’en suis sûre. Quand elle me vante les mérites de son fils, peut-être essaie-t-elle de se convaincre qu’il échappera à l’hérédité. »

Aucun personnage secondaire n’est de trop dans cette histoire. Ce fils parfait, image inversée de Théo, son contrepoids, répond en quelque sorte à l’injonction normative, correspond à la définition de la réussite. La perfection de cet enfant a été programmée depuis la petite enfance de sa mère et de sa grand-mère Solange. Il n’est pas un ange, mais il est sage comme une image, comme l’image de la réussite qu’il faut renvoyer aux autres. « Est-ce qu’on arrive (sic) jamais à déraciner en soi les idéaux inculqués dans l’enfance ? » Flavie n’a pas tenté ce déracinement. Son fils n’a pas poussé loin de l’arbre. « Son fils à elle, Martin, venait de terminer des études en génie, brillant, gentil, beau garçon, il obtiendrait sûrement une bourse pour aller étudier aux États-Unis, tout pour faire l’orgueil de ses parents. » 

Théo est quant à lui un ange noir. Il joue de la musique dans un band, compose des chansons, s’amourache d’une fille dark. À la morgue, Béatrice découvre un tatouage sur son corps. « J’avais été étonnée en apercevant sur son épaule gauche un dessin non identifiable, une forme noire, inquiétante. Depuis quand avait-il ce tatouage ? » L’adolescent a fait vivre l’enfer à ses parents. « Il fallait attendre que cela passe […] oui, nous sommes en crise, depuis six mois c’était la crise perpétuelle, nous vivions l’enfer à la maison. Tu exagères, aurait dit Karl, mais je le pensais vraiment, nous aurions dû faire quelque chose. Nous étions responsables de ce qui venait d’arriver. »

Nous rencontrons plusieurs personnages au fil de la lecture, ils s’avèrent tout aussi importants les uns que les autres. Chacun apporte sa contribution à l’intrigue. La romancière maîtrise l’art consistant à assurer une progression au niveau de l’action. L’action n’est pas relative ici à des faits et gestes étonnants, elle correspond plutôt à l’enquête menée par Béatrice. Les policiers ont mené la leur, enquête criminelle. Ils avaient peu à dire. Et ce peu, dès le début du roman ou à peu près, le lecteur en est informé. Ce qui intéresse Béatrice a plutôt à voir avec la psyché. Elle veut entrer dans la tête de son fils. Pour ce faire, elle cherche à rencontrer ses amis et ses amies, elle veut les interroger. Elle passe la chambre de Théo au peigne fin, ouvre ses cahiers d’école, lit ses derniers courriels, est à la recherche du moindre indice. Son travail sur le documentaire la met sur certaines pistes, mais ce sont des pistes générales. Ce film lui offre un portrait d’ensemble, alors que Béatrice s’intéresse surtout au cas particulier de Théo. Des professionnelles, dont sa belle-sœur Monika et Helen Gardner, la soutiennent et la réconfortent, mais Béatrice veut aller au-delà de l’apaisement. Il lui faut comprendre.

Son mari finira par lui apprendre que Théo et lui avaient eu une querelle quelques jours avant le drame. L’enfant avait réclamé de l’argent à son père. Il désirait partir en voyage. Où ? Il avait refusé de le révéler, avait insulté son père. « Était-ce pour quelques milliers de dollars que Théo avait essayé de le tuer ? »

Poursuivant son enquête, Béatrice fait la rencontre de la fille dark dont son fils avait été amoureux. Celle-ci lui fait lire une lettre de Théo. « J’ai commencé à la lire avidement. Mais tout ce que je percevais, c’était une colère terrifiante, une sorte de volcan qui s’était réveillé dans ses entrailles et s’était mis à cracher de la lave en voulant tout anéantir. Théo était furieux contre Karl, contre le collège, contre Elsa et moi, contre la terre entière, contre lui-même, seule Samantha semblait mériter un peu de considération. Quel événement avait pu déclencher une telle éruption ? Hélas, Samantha a haussé les épaules, elle n’en avait aucune idée. »  

Le roman de Louise Dupré regorge de fines observations. Celle-ci, après le drame. « Sans y réussir, nous essayions d’apprivoiser la vie sans Théo. Le plus difficile, c’était de s’asseoir devant sa chaise vide, à table. Comme si un aimant nous attirait, nos yeux butaient sans cesse contre son absence ». Ou encore : « Nous avions joué notre rôle d’individus capables d’affronter les malheurs de la vie, mais une ombre passait devant nos yeux dès que la conversation fléchissait. »

Çà et là, dans le récit, la narratrice réfléchit au rôle de l’art. « C’est le film qui me sauverait, oui, l’art pouvait nous sauver. Je retrouvais mon désir d’apporter quelque chose à la compréhension du monde, cette part de vérité qui n’est pas immédiatement accessible dans la vie courante. »

L’une des plus déroutantes particularités de Théo à jamais concerne le statut de cet écrit. C’est un curieux récit où il est à maintes reprises question d’un récit qu’écrit la narratrice. Béatrice parle de ce récit dont elle a entrepris la rédaction. Elle veut que l’écriture l’aide à comprendre. Elle parle de son récit comme d’un objet extérieur, à venir : « Mon récit ne présentera que ma version du drame, il sera troué comme un gruyère. » « Mon récit terminé, il me restera plus de doutes que de certitudes. Mais je le poursuis. Mon texte sera-t-il clair, crédible, pourra-t-il intéresser des lecteurs ? Même si je ne pense pas le faire publier, j’écris secrètement pour qu’on me lise, j’ose l’avouer. […] Et pourtant, il n’y a aucune légèreté dans mon récit. Je raconte les premiers mois qui ont suivi la mort de Théo, il faut dire, la chape de plomb sur la maison, la douleur aveugle, la difficulté à supporter chaque minute de chaque heure, chaque heure de chaque jour, les efforts constants pour garder la tête hors de l’eau. »

Vers la fin du roman, Béatrice annonce qu’elle a enfin terminé son récit : « J’ai mis le point final à mon récit, l’essentiel a été dit, il me semble. Il faut savoir s’arrêter. Je ressens de la fierté, mais aussi une certaine tristesse. L’écriture était devenue pour moi un moment de méditation dans la journée. » Si le lecteur ne l’avait pas encore compris, ce qu’il vient tout juste de lire lui révèle l’existence d’un second récit, celui précisément sur lequel s’est penchée Béatrice durant de très longs mois après le décès tragique de son fils. Un peu comme André Gide l’a fait jadis avec son Journal des Faux-monnayeurs, journal portant sur son célèbre roman, Béatrice rédigeait un carnet où elle consignait ses réflexions. Elle rédigeait, parallèlement aux pages d’un récit dont le lecteur ne lira pas le moindre mot, une sorte de journal dans lequel elle méditait sur la matière dont traitait justement cet autre écrit. Théo à jamais, roman aux yeux du lecteur, apparaît donc ultimement comme la chambre d’écho ou le miroir d’un autre récit dont somme toute les lecteurs n’auront perçu que la rumeur.

Quant au roman qu’il aura pu lire, le moins qu’on puisse dire c’est, outre ses nombreuses qualités, qu’il fait montre d’une grande humanité. Je n’ai pas mentionné tous les personnages qu’on y rencontre, mais ils font tous montre d’une grande ouverture d’esprit et de cœur. Béatrice noue avec eux des liens affectueux. L’ancien professeur de Théo est particulièrement attachant. Les personnages sont touchants. Du reste, ils se touchent. « Une caresse, un frôlement d’aile, Helen Gardner a effleuré mon épaule ». « J’ai pris la main de Karl et je l’ai caressée. » Jean-Marcel, le réalisateur du documentaire sur les tueries, la réconforte : « Nous avons bavardé en prenant un café. Tu m’as manqué, a-t-il dit en posant un instant sa main sur la mienne ». Monika : « La tristesse venait me surprendre, mais Monika ne m’a pas laissée m’enliser, elle a passé son bras autour de ma taille. » Madeleine (dont la fille, maintenant internée, a poignardé son mari à mort) : « Comment avez-vous fait pour ne pas devenir folle ? Madeleine m’a sortie brusquement de mes pensées. J’ai déposé ma main sur la sienne et j’ai murmuré Vous n’êtes pas seule, vous n’êtes pas seule. » Félix (l’enseignant) : « Félix n’avait pas saisi la gravité de la situation, je n’étais pas la seule à me faire des reproches. Il aurait dû essayer d’avoir une conversation avec Théo, alerter le psychologue du collège, disait-il, nous prévenir. J’ai posé ma main sur son bras et nous sommes restés un moment silencieux. »

Il y a dans ce roman, je le répète, une grande humanité. À vrai dire, tout se passe comme si l’horreur était collective, menace sourdant depuis la nuit des temps, grondant au loin comme bottes de militaires sur les pavés. L’horreur est plurielle ; mais la douceur et la tendresse animent chaque individu de ce roman. Bien entendu, Béatrice ne voit pas le monde avec des lunettes roses. Elle sait que le mal sommeille en chacun de nous, Théo en est un bon exemple. Cependant, les personnages que nous rencontrons dans le roman de Louise Dupré correspondent tous et toutes à des hommes et des femmes de bonne volonté. 

Ce mot, volonté, n’est pas sans rapport avec la vision des choses que Solange a transmise à sa fille. Tout au long de sa recherche, Béatrice a voulu comprendre. Elle en vient à réaliser que « l’insensé » n’a pas de sens. Telle est la vérité à laquelle elle accède finalement. Or cette découverte, cette compréhension, n’étaient-elles pas présentes dans la sagesse un peu innocente ou naïve de sa mère ? « Bouger, m’occuper, n’était-ce pas le meilleur remède contre la tristesse ? Je réentendais ma mère, ses phrases qui me faisaient dresser les cheveux sur la tête quand j’étais adolescente. Moi qui n’avais cru qu’à l’introspection, voilà que je me mettais à trouver des vertus au gros bon sens, j’étais en train de renier mon ancienne foi. Si ma mère avait été encore vivante, je l’aurais serrée dans mes bras, lui aurais avoué qu’elle n’avait pas tort. »

De même, une certaine vérité sortira de la bouche de Samantha, la fille dark, celle dont Théo avait été amoureux : « J’avais espéré que cette rencontre avec Samantha m’apporterait des réponses, mais je resterais avec mes questions pour l’éternité. Je l’ai dit bien humblement à Samantha. On n’arriverait jamais à comprendre ce qui s’était passé dans la tête de Théo, a-t-elle répondu. Elle, elle y avait définitivement renoncé. Il fallait accepter son acte, c’était la seule manière de faire son deuil. Où avait-elle appris cela, dans ses cours ou dans des livres ? Chose certaine, elle était plus sage que moi. »

Vient le jour de l’inhumation des cendres de Théo. « Désormais, Théo habiterait le monde de la mémoire et nous, celui du présent. » Tout le monde est présent au cimetière, physiquement ou en esprit. Le roman prend fin sur une note positive. L’oncle Heinrich a appris la triste nouvelle. Il a consolé Karl et ne lui a adressé aucun reproche. Darwin, le chat, est récemment retourné dans la chambre de Théo, cela en dit long sur l’atmosphère maintenant pacifiée qui règne dans la maisonnée. Jean-Marcel est lui aussi présent à la cérémonie et au petit goûter qui lui succède : il « a parlé de mon manuscrit à un éditeur qu’il connaît bien. » Elsa, la grande sœur de Théo, a rencontré un ange. Il se nomme Damiel, comme le personnage interprété par Bruno Ganz dans Les ailes du désir de Wim Wenders. Le jeune couple parle d’avoir un bébé : « Karl et moi, nous avons hâte d’entendre des rires d’enfant dans la maison. »

Je referme à l’instant ce livre particulièrement singulier, si curieusement intitulé, ouvrage lu deux fois plutôt qu’une.

Mais d’abord, pourquoi relit-on ?

Lire tient à la nature d’un ouvrage et de son lecteur, à leur complicité, n’est possible qu’en vertu d’une certaine réciprocité. Le lecteur s’avérant apte à recevoir et à contenir ce qui se déverse en lui, ou au contraire se montrant rébarbatif, dans lequel cas la lecture en vient à tourner cours, comme vin au vinaigre.

Relire est encore plus indicatif, à la fois de l’objet-livre et du sujet-lecteur. On ne relit pas pour les raisons ayant conduit à lire et surtout à poursuivre une lecture. Si nous poursuivions une première lecture, c’était en partie parce que le livre ne nous tombait pas des mains. Autrement dit, nous y trouvions du profit. Il apportait quelque chose : du plaisir, de la connaissance. On n’en sort pas, c’est classique : divertir tout en instruisant. Les meilleurs livres tout en occupant notre esprit y ajoutent une certaine substance, produisent une modification de notre pensée, changent notre regard sur le monde. À tout le moins, ils soulèvent des questions. Plus ils sont richement constitués, plus ils exigent une lecture attentive. Cette lecture attentive s’avère toujours plus fructueuse lors d’une relecture.

Bref, j’ai relu L’origine du futur pour renouveler mon plaisir et pour mieux saisir la matière et la manière de cet ouvrage. Je le répète, un plaisir de lecture tient à la nature d’un ouvrage ainsi qu’à celle de son lecteur. Comme le goût, le plaisir n’est pas universel. Les lecteurs et lectrices qui lisent mes études ne partagent pas tous et toutes mes goûts personnels, lesquels du reste sont variés. Pour cette raison, les recommandations de lecture ne doivent pas tomber dans l’oreille d’un sourd. Un homme averti en vaut deux. Il faut savoir que les conseils de lecture ne s’adressent pas indifféremment à l’univers tout entier. Il y a de grandes œuvres qui conviennent à tous les publics. D’autres, tout aussi grandes, en raison de leur complexité, sont des tours difficilement prenables. Elles ont de la hauteur. Pour les conquérir, il faut les escalader, y mettre du sien.

Spécifions d’entrée de jeu que Catalano est un auteur extrêmement doué. Son essai poétique romancé témoigne de l’étendue de ses dons. Il aurait voulu nous offrir un nuancier, faire voir la palette des différents registres qu’il parvient à maîtriser, il n’aurait pas fait autrement. Mais, on le devine, telle ne fut pas son intention. Il n’en demeure pas moins que la chose impressionne grandement. Pour des raisons relatives au projet même de son livre, l’auteur a dû recourir à différents narrateurs, d’origines diverses, mais tous liés les uns aux autres par les liens du sang, par leur origine justement. Par la logique de l’arbre généalogique. Il en découle que ces narrateurs s’expriment différemment. Cela donne lieu à un ouvrage qui sans être composite est varié. Si bien que le lecteur est à même de constater que l’auteur a comme qui dirait plusieurs cordes à son arc. Qu’il recoure au parler populaire, au registre de la rue ou à celui presque des tréteaux du grand discours théâtral antique, Calalano excelle, c’est le moins qu’on puisse dire.

À la lecture, le plaisir ressenti est d’ordre esthétique. On savoure des inventivités verbales plus savantes les unes que les autres. Et l’on prend également la mesure d’une inventivité non moins remarquable, quoique de moins haute altitude, s’exerçant cette fois à même les mots de tous les jours, lorsque la parole sort de la bouche de narrateurs plus « humbles ». L’auteur réalise là un véritable tour de force, qui, on s’en doute, n’a rien à voir avec la gratuité d’un simple exercice de style. Il faut ici le répéter, c’est la nature de son projet qui le conduit à opter pour la forme pour le moins originale de cet écrit à multiples facettes.

Devant un livre aussi particulier, on en vient immanquablement à songer à ce à quoi il peut s’apparenter. On rouvre la porte de sa bibliothèque mentale, celle qui s’est élaborée au fil des ans, et l’on tombe alors sur quelque chose comme l’Arcane 17 d’André Breton. Catalano, en effet, dans certaines pages de L’origine du futur parvient à la très solide consistance de la prose de Breton, et aussi à la liberté si caractéristique de ses écrits, dont la composition n’a jamais rien de linéaire. Pas davantage que Breton, Catalano ne cède aux exigences des lecteurs dits peu exigeants, lesquels réclament des ouvrages où l’on entre comme dans un moulin pour en sortir tout aussi facilement. Je sais, à chacun sa bibliothèque personnelle, et la mienne ne contient sans doute pas les ouvrages qui ont nourri Catalano. Je doute d’ailleurs qu’il ait suivi docilement quelque modèle, mais assurément, l’enfant qui à l’âge de cinq ans (« j’ai l’âge de ma main) apprend à lire par lui-même le mot « Motel » sur une enseigne, lors d’un voyage aux États-Unis, aura poursuivi ses apprentissages auprès de certains maîtres. Lesquels ? Je l’ignore, mais notre homme a fait de solides études et il en résulte une maîtrise du verbe remarquable ainsi qu’une érudition tout aussi impressionnante. Or il vient un temps où les influences d’un livre remontent à la nuit des temps, pour ne pas dire à l’origine du futur, origine dont participe ce premier voyage, celui où l’enfant parvient à déchiffrer un premier mot, et par après le reste tout naturellement s’ensuit, l’enfant devient un homme de lettres, un poète.

Ce « devenir poète » est un « en marche » dont Catalano remonte le cours. Rien justement n’est statique dans ce parcours. Les continents ont dérivé il y a de cela des millénaires, mais la vie, et celles des premiers hommes n’a jamais été qu’une affaire de voyage au long cours, de pérégrination, d’errance et de nomadisme. Les continents sont ceux d’où sont venus nos ancêtres les plus anciens. Ce sont lieux dont ils proviennent. Lieux où ils posent le pied.

Francis Catalano raconte des histoires, les nôtres et celles des autres. Il raconte sa propre histoire, celle des siens. Tout ce beau monde bouge, se promène. L’errance est affaire de gènes. Le patrimoine a la bougeotte. Le récit de Catalano donne le vertige, car il embrasse large, de la toute petite cellule familiale qui est la sienne à des hordes moins contemporaines, archaïques, à des tribus et des peuples tout entiers. En fait, contrairement à l’impression qu’en peut donner mon commentaire quelque peu diffus, le travail de Catalano s’effectue au cordeau, avec une grande précision au niveau de la structure, une organisation remarquable en ce qui a trait à la répartition de ses masses. Le tout, bien que de modestes dimensions, génère une impression de fresque; son architecture bien que de proportions plus modestes fait songer à quelque grande cathédrale.

Si de grands explorateurs ont réalisé de grandes découvertes — mais les découvertes de Colomb et des autres n’en étaient qu’aux yeux cupides de leurs compatriotes — à plus petite échelle, non plus en canot, mais en voiture, par exemple dans une Cadillac Sedan DeVille 1962, l’on a pu rouler sur le Nouveau Continent et redécouvrir le monde. Aux grands récits des premiers, à la grande Histoire font écho de plus petites histoires. Notre écrivain raconte les unes et les autres. Pour ce faire, comme mentionné plus haut, il use de différents registres de langue. Sa prose est tantôt comparable en raison de sa force expressive, de l’étendue de son jeu, à la prose la plus accomplie des plus grands prosateurs. J’insiste ici, je le sais, mais force est de s’incliner. J’ai évoqué la stature d’un Breton, je songe maintenant à l’écriture et aux moyens tout aussi impressionnants de Pierre Ouellet. Il y a entre certaines pages lues chez Catalano et celles des récits de Ouellet une certaine parenté. Les deux savent accomplir des prodiges de syntaxe. Leur langue est riche et savante. Je parlais de nomadisme, et j’y reviendrai. Mais il est une autre forme de voyage, c’est celui auquel nous convie cet ouvrage en quatrième de couverture. On peut y lire que le livre propose « un invitant voyage au cœur des mots ». Ce voyage au cœur des mots atteint son apogée dans les passages de l’ouvrage où l’écrivain traite de la matière qui, dans le temps et l’histoire de l’humanité, est la plus éloignée de nous.  Son verbe alors, comme si la distance exigeait le recours à plus haute instance verbale, se dépersonnalise et gagne en objectivité. Cette objectivité dans sa hauteur de vue procède d’un savoir encyclopédique, la terminologie s’y fait savante, d’une rigoureuse précision. Roger Caillois a montré qu’un Saint-John Perse était l’inventeur d’une poésie proche des travaux de Mendeleïev. On n’en dira pas tant de Catalano, qui se montre plus inventif, il n’empêche : « Croît chez nos voisins une espèce indigène de peyolt tout à fait adorable et malgré les feux allumés çà et là au creux d’amples alcôves oniriques, nous assumons avec sagacité ces choses que nos visions infiltrées de mots, de boutons, d’abbayes, effleurent. »

Le voyage au cœur des mots ne s’accomplit pas uniquement dans le recours aux forces et aux formes poétiques. Ce voyage s’accomplit autrement lorsque l’auteur restreint son cercle au plus proche de l’intime, donnant la parole au jeune homme qu’il fut ou encore à sa grand-mère ; les accents du discours se font alors plus familiers. La maîtrise de l’auteur ne s’en trouve cependant pas affectée. Il connaît l’art consistant à écrire au plus près de son objet. Un tel savoir-faire, ici dans le registre le moins noble, ne produit rien au détriment du propos. Jamais l’auteur ne sacrifie son projet en le faisant disparaître derrière l’écran des mots. Ceux-ci, malgré les aspects spectaculaires de la forme, demeurent au service de ce que l’auteur entend communiquer. Enfin L’auteur ne parle pas pour ne rien dire.

Or cela qu’il dit, qu’est-ce au juste ? Qu’en est-il de la matière ? La table des matières nous en fournit une certaine idée. En cinq mouvements, le livre traitera des terres, des glaces, des hommes, du vent et de l’histoire. Tantôt, il sera question de la grande Histoire, celle surtout qui s’est jouée sur le Nouveau Continent. Tantôt, Catalano racontera l’histoire de sa famille. Mais cela dit, pour bien se faire une idée du contenu de son ouvrage, il faut revenir à sa forme, à sa composition. Il faut comme dans l’enfance où l’on reliait par un trait des points numérotés de manière à aboutir à une image, celle représentant un chien ou une maison, ou quoi donc encore ? il faut relier entre eux différents passages du livre. On constate alors que le tambour battant la charge lors de la bataille des plaines d’Abraham, bataille sur laquelle s’ouvre le livre de Catalano, est le lointain ancêtre du poète, lui-même père d’un « drummer » jouant au sein d’un groupe « dans bar enfumé de Montréal ».

Catalano raconte ses origines. Il dit l’Europe d’où sont venus ses ancêtres. Il dit les Premières Nations d’ici à l’époque où arrivent les Blancs, qui insistent, persistent et sévissent. Il raconte des histoires de migration et en quelques tranches de vie relate, selon les points de vue de différents narrateurs, ses propres déplacements sur les territoires canadien, américain et mexicain. « Sous le faisceau évasé de la lampe torchère orange kitch du salon, je revois père penché au-dessus de la carte routière surligner en rouge le trajet Montréal-Acapulco. Vue d’ici, l’Amérique me semble immense et fabuleuse et surtout un grand corps organique, j’y vois quantité de petits vaisseaux, de capillaires, qui s’entrecroisent à l’infini. »

Dans leurs aventures, les divers personnages sillonnent le monde.

Personnages parfois indistincts appartenant à des hordes en mouvement. « L’origine du futur plonge ses racines dans la peur de la famine, dans la vision en boucle d’un troupeau de bisons poussé au bord d’une ravine. Finirons-nous par arriver, nous qui ignorons de quel lieu nous venons ? Où continuerons-nous d’aller maintenant ? »

Personnages souvent historiques, dont les pérégrinations les conduisent de la Vieille Europe au Nouveau Continent. « Cristoforo Colombo, c’est bien toi, natif de Genoa, ds cuisses d’une Isabelle castillane ? Les habitants de l’île ont avalé goulûment ton savoir multiface d’entremetteur. Tu n’as pas, malgré ce tout premier pas, de privilège sur ce monde innocent, dont seuls le nouveau, l’exotisme et la férocité t’ébahissent. » « Qu’il nous suffise de songer à Cortès baptisant Veracruz, autre terre atopique, et nos visages s’empourprent. » « Il s’appelait Samuel de Champlain et c’est du nom de Québec qu’il appela cette place où le grand fleuve est encaissé. »

Personnages familiaux. À la grande fresque de la grande Histoire succèdent une série de tableaux non moins intéressants. Le lecteur assiste à des départs, à des arrivées. Celui-là qui au tout début de l’essai-poème-roman-autofiction joue de la caisse claire, il comprendra bientôt qu’il est un lointain ancêtre de Francis Catalano. Sur le champ de bataille des plaines d’Abraham, il attend « les ordres du tambour-major pour les transmettre à l’infanterie du bout de ses baguettes. » Un autre jeune homme traverse l’Atlantique en 1953. « S’il part seul en Amérique, c’est pour mordre dans la vie, changer, tenter l’aventure. » Son père est le narrateur de cette section du « roman ». Il n’assiste pas au départ de son fils, dans le port de Naples, à bord de L’Homérique. Le lecteur comprend bientôt que ce Filippo, soudeur de son métier, sera le père de l’auteur. Mais là ne s’arrête pas la galerie de personnages. La grand-mère de l’auteur, à qui est dédié le « roman » est à son tour narratrice. « Ti-Pouce », c’est ainsi qu’elle surnomme son petit-fils, est l’enfant qui, à l’âge de sa main, cinq ans, lors d’un voyage au long cours à travers l’Amérique, apprend à déchiffrer les mots « Motel » et « Hôtel » : « Lire : est-ce aborder de nouvelles plages de sens, les longer, et se lancer à la mer avec tel ou tel mot dans telles ou telles eaux ? En réalité, je ne fais que commencer à porter une attention égale aux mots et au monde. » Ainsi naît une vocation d’écrivain.

L’origine du futur est un ouvrage brillant. Il est tout à fait réussi. Le serait-il moins, cependant, si l’auteur çà et là avait offert au lecteur plus de précisions, notamment au niveau des dates, afin qu’il nous soit possible, sans trop de difficulté de nous retrouver dans le parcours des personnages de sa petite famille ? J’ai évoqué plus haut les points correspondant aux chiffres sur une page, de sorte qu’apparaît lorsqu’on trace un trait les réunissant l’image ainsi dessinée. Afin de constater une pure merveille, pour vraiment parvenir à identifier certains personnages, dont celui de l’auteur tel que « dessiné » par son fils, devenu narrateur d’une section de l’ouvrage, j’ai dû travailler un peu fort, je l’avoue. Le jeu en valait la chandelle. À la page 35, un des « je » du « roman » fêtait son trentième anniversaire. Avec femme et enfant, il allait séjourner durant quelques mois à Ixtapa Zihuatanejo. Qui était ce « je » ? On apprenait que la mère de son enfant se nomme Carolina F. Nous ne retrouvons celle-ci que quelques années plus tard à la page 86. Entre ses deux apparitions, le temps non seulement a passé, mais beaucoup d’espace aura été parcouru par de vastes hordes, par des peuplades entières. Or, il nous est demandé de nous souvenir de ce nom vite disparu, ce qui s’avère pourtant essentiel pour sourire lorsque le fils, narrateur dans ce cas, à l’occasion d’un road-trip avec ses parents, « dessine » en rétrospective son père en train d’écrire des poèmes et de parler poésie. La chose est amusante. Catalano ne manque pas d’humour. Il se montre dans cette page tel que vu dans le regard de son fils.

Je sais que pour être vraiment réussi, un ouvrage ne doit pas nécessairement être, en tout et pour tout, clair comme de l’eau de roche. Je trouve cependant regrettable que des réussites puissent passer inaperçues et que des auteurs de grand talent soient souvent négligés en vertu de vertus confondues avec des vices.  Ce vice, impuni de la lecture dont parlait Valery Larbaud ne doit pas être confondu avec la pusillanimité du lecteur. La collaboration de ce dernier est toujours de mise. Il faut y mettre du sien.

On aura compris que Catalano est un prosateur qui ne manque pas d’originalité. C’est là une litote, il serait plus séant d’insister hyperboliquement sur ses nombreux dons.  J’ai dit à quel point ce poète parvient à maîtriser ses instruments. Son style est empreint de grandeur, d’éloquence même. Quand il l’est moins, sa manière est tout aussi séduisante. Il raconte alors avec des mots moins savants des histoires qui, par endroits, ont le charme du conte, et du roman populaire.

Un écrivain qui écrit de la façon suivante suscite ma plus vive admiration : « L’aube s’est-elle inclinée qu’une rose fanée, venue en image dont ne sait où, s’est aussitôt redressée pour la saluer, et l’horizon a bel et bien neigé, c’était un duvet, c’était une merveille. Puis les soleils, longtemps trépanés, ont ouvert des pans de ciel couleur bleu électrique, le bran de scie a volé, puis le vent soufflant d’un poumon d’acier a agité son jeu de clefs dans l’air pur et sec qui nous a tous sortis d’un seul bloc de coma artificiel. »

Cher Daniel,

            J’ai plongé dans trois de tes livres durant les dernières semaines, et j’en suis ressorti enchanté.

D’abord, L’école des chiens, que j’ai beaucoup aimé. Un livre fin, sensible, plein de douce nostalgie. Un magnifique « tombeau » à Max, l’ami le plus fidèle disparu. Une célébration de ce beau Golden telle qu’on voudrait en avoir un pareil auprès de soi. Il y a aussi l’évocation des parents en allés aussi, les derniers temps de la mère dans un mouroir : touchantes évocations remplies de piété filiale. Et la « Consolation à Du Périer », ce grand poème classique qui revient comme un leitmotiv élégiaque…

            Plus spécialement pour moi, les promenades dans les rues et parcs de Ville Saint-Laurent, m’ont rappelé mes dernières années du cours classique au collège de cette ville, boulevard Sainte-Croix. Je fais d’ailleurs allusion à ce collège à la page 211 de La pierre de Satan, mais surtout dans La traversée des illusions (1994) où j’y consacre un chapitre, racontant notamment les rendez-vous nocturnes des gars de Saint-Laurent et des filles de Basile-Moreau dans les allées du vieux cimetière qu’on retrouve à plusieurs reprises dans ton livre.

            J’ai souligné de nombreux passages particulièrement beaux. J’en mentionne ici quelques-uns.

Chapitre 19

Je suis la locomotive que suivent de nombreux wagons fantômes. Tu n’as pas, cher papa, connu mon petit chien. Tu es un mort de plus et tu t’enfonces dans le temps. Si je ne te parle pas, si personne ne me parle de toi, tu es un être qui n’existe plus. Ton nom sur la pierre demeure silencieux ; dans quelques décennies, il ne renverra qu’à un être anonyme, malgré son nom, parce que ce nom se sera vidé de toute sa substance. Je suis maintenant le principe de ta résurrection. Tu reviens dans ces pages, dans ces parages que tu hantes, afin qu’aient lieu les présentations posthumes.

Chapitre 23

Mes songeries me conduisent à des découvertes que tout un chacun a faites siennes depuis belle lurette. Par exemple, je viens de réaliser le bien-fondé du discours évangélique qui veut que là où est notre cœur, se trouve notre trésor. Or quel est aujourd’hui cet or qui scintille au fond de moi, si ce n’est cet ensemble de souvenirs que je chéris justement comme le plus précieux de mes biens ? Parce que c’était lui, parce que c’était moi. Je lui ai donné, il m’a remis au centuple. Il est venu et j’ai vécu, autrement, beaucoup mieux. J’ai mis de longs sous-vêtements et je suis sorti dans la tempête. J’ai traversé le jardin de givre de ma fenêtre et renoué avec l’hiver. L’asthme dont je souffrais depuis de nombreuses années s’est soudainement tempéré. À force de marcher, j’ai perdu du poids et m’en suis trouvé mieux. Les inconnus dans la rue avaient désormais un visage, qui souriait en voyant cette ombre blanche toujours à mes côtés. […]

L’apparition du chiot à travers les carreaux de la fenêtre, la manifestation de sa petite présence dans notre paysage urbain, puis son arrivée chez nous eurent l’effet d’un élargissement de l’horizon. Le peu d’enfance qui me restait s’engouffra par cette ouverture. Mon compagnon ressemblait à un feu de foyer. Lorsqu’il se couchait près de nous, la soufflerie de sa poitrine qui montait et descendait, la forme même de son corps se dessinant sur le parquet, la vie tranquille de l’animal au repos, tout en lui me transmettait ce sentiment de paix que procurent, par une belle et froide soirée d’hiver, les bûches enflammées, leur braise rougie, chaleureuse, dans le foyer de pierres. Tant de silence me ravissait. Je ne songeais pas toujours en ces termes, ne ressentais pas continûment ce sentiment. Le charme n’opérait pas en mode ininterrompu, mais il ressurgissait de proche en proche et, pas un jour ne passa sans que je fusse conscient de sa présence, de son passage parmi nous ; et sans que j’anticipasse, un peu maladivement, sa fin prochaine.

Chapitre 28

Toute cette partition que je recompose s’était improvisée avec le temps. Au fur et à mesure, il y avait une sorte de valse qui nous entraînait au fil des jours. J’imagine à nouveau cette partition, cette chorégraphie, je les reforme, découvre dans la suite des saisons une ligne mélodique, et tout autour, en fais ressortir l’harmonie, qui de concert s’était établie entre nous. Ce récit, finalement, auquel je ne souhaite nullement donner fin, je l’élabore de manière à maintenir un point d’orgue, un point d’orgue majeur, que je place au-dessus du dernier soupir de Max. Soupir dans le silence, à peine audible, en réponse à mes dernières paroles, dernier accompagnement de sa mise à mort. Tant que dure ce point d’orgue, tant que cette note silencieuse se fait entendre au creux de mon oreille, comme une sorte de la éteint, tant que cela dure, quelque chose en moi, de lui, se perpétue. J’accorde mon instrument à ce la, qui me dit d’un même souffle que Max est encore là et que Max n’est plus là. J’entends le son feutré sortant de l’instrument de son corps qui rend l’âme, dernier souffle que je recueille, afin de le prolonger en moi.

Chapitre 34

Un amour sans objet, un sujet sans amour. Le chiasme enferme en cette formule le sentiment que ressent l’endeuillé. Lorsque mon père est mort, l’amour que j’éprouvais pour lui ne pouvait rencontrer que son absence. À sa place vacante, il y avait maintenant le vide. Plus aucune présence. Ma tendresse se déversait dans ce néant. L’objet de mon amour avait disparu. Pour l’amour qui s’adresse aux morts, dans une sorte de correspondance vouée à l’échec, il n’y a pas de boîte aux lettres. L’échange se fait à sens unique. Il n’y a pas de réciprocité. Celui qui aime encore reste seul à aimer. Il n’est plus aimé. Le mort en s’en allant le prive de son amour. Le deuil tient tout entier dans cette sentence, dans cette peine capitale : un amour sans objet, un sujet sans amour. […]

Chapitre 35

Justement, aujourd’hui, j’errais dans mes pensées. Les discours que me mettait en l’esprit un amour maintenant sans objet, augmentaient mon chagrin. J’allais en solitaire, tel un veuf, un inconsolé. L’absence m’a semé loin derrière. Désormais, je marche seul. Il ne servirait à rien de courir à la poursuite d’une ombre blanche. Elle s’est envolée à jamais. Dans la forêt du rêve, dont je m’éveille à peine, les sentiers sont peuplés d’absences vagabondes. Ce sont des sentiers qui vont dans tous les sens, qui se superposent à travers les branches basses de la forêt profonde, qui se confondent et tournent en rond. Qui s’y aventure, s’y perd. L’ombre fuit et nous sème ; le flair humain ne parvient pas à démêler parmi tant d’effluves le parfum défunt de l’absent. La piste est perdue. De mes promenades, de mes divagations, je rentrerai désormais toujours bredouille.

Chapitre 47

Maman aurait été plus heureuse si nous l’avions aimée davantage. Ses aspérités, ses duretés, ses méchancetés venaient sans doute de cette lacune fondamentale, de ce profond manque d’amour. Peu et mal aimée, elle avait adopté une posture existentielle, tordue comme un bonsaï. Cet arbre infirme qu’elle était, aux membres maladroits et incapables de toute étreinte chaleureuse, torturait ses proches et les tenait à distance.

Ensuite le recueil Varia, aux Éditions du Noroît. J’en ai aimé le ton, l’inspiration élégiaque, la nostalgie du temps enfui, l’ombre omniprésente des proches disparus, la fin inexorable à l’horizon. Des vers bien frappés, harmonieux, d’une métrique presque classique qui crée une belle incantation… Bref, une écriture nette, claire, classique en somme, à mille lieues des obscurités et préciosités byzantines d’une certaine « poésie moderne ». Ici encore, je pourrais citer de nombreux vers.

L’étau du temps sur toi se resserre./ Tes regards et tremblements / Évoquent la bête / Traquée, / Prise en souricière./ Tes pensées vont, viennent, s’usent / Dans un labyrinthe sans issue. / Du matin au soir,/ Le faix que tu portes / S’alourdit, ne te laissant aucun répit. […]

D’autres comme toi observent,/ Dès lors que le train quitte la station,/ Leurs reflets dans la vitre assombrie, / Ne percevant alors, bercés par le ronronnement,/ Lorsqu’ils s’abandonnent ainsi à leur réflexion,/ Toujours invariablement ne voyant / Qu’un fantôme qui va, vient et s’anime / Dessous le vêtement de ses noms différents ; / N’étant jamais autre chose que cela qui, / À juste titre et non sans illusion, dit moi et dit je.

Poème « Une fois mort », p. 21

Au seuil d’une maison, / En tout temps, l’absent, / Mentalement, pourrait revenir. / Mais il ne reste que lui-même / À celui qui demeure. / L’autre / Ne quitte plus son absence. […]

Le chant des morts est vaste./ Il y refleurit sans cesse de l’être.

p. 39

Si cette vie n’était qu’un scénario, / Qu’une ébauche ; / Si elle n’était qu’un amas de brouillons, / Ta corbeille à papier déborderait. / Combien de scènes / Auraient été coupées au montage, / Si de ta propre vie tu étais l’auteur ?

p. 41

Ton regard émerge et tu refends la vague. / La plongée dans les abysses, / Des poumons à bout de souffle ; / On dira comme on voudra, / Comme on pourra, / Quelque chose en nous sombre dans le sombre, / Et nos gestes alors sont ceux du pantin / Qui s’agite et se retourne contre ses ficelles. […]

Or te voici ce soir accablé, titubant, / Livré aux démons de tes pensées, / Jeté en pâture à ces monstres marins / Qui déchiquettent ton âme / Au fond de ton aquarium personnel.

p. 62

Mais les jours fileront, / Dans les nuits s’engouffreront. / Les unes et les autres, dans un engendrement perpétuel, / Qui bientôt se poursuivra sans toi. / Te portant, comme fétu le cours, / Les jours te conduiront / Au sol entrouvert. / Empilement des jours / Les uns par-dessus les autres. / Il y a devant / Un rétrécissement d’horizon. / De part et d’autre, / Des murs / S’avancent vers toi, te privant d’air et de vent.

J’oserais dire que cette inspiration s’apparente à celle qui sous-tend mon recueil Le souffle de l’apocalypse (2018). Pour emprunter le langage euphémique d’un René Lévesque, je dirais que je ressens à ton égard quelque chose comme de la fraternité…

p. 78

Dans les plus tendres moments, j’ai omis de célébrer / Ta beauté, ta bonté profonde. / J’ai négligé de soigner une femme blessée. / Son nom, je l’ai souvent effacé de ma mémoire. / Au jour le jour, je fuyais au-devant de moi-même. / J’oubliais derrière moi la source de ma soif. / C’était une histoire de cris silencieux, de douleur tenace, / Comme il s’en vit sous tous les toits.

p. 80

Dans cette lampe, l’huile désormais s’évanouit. / Te voici parvenu au seuil de ta disparition. / Les pierres se dressent./ Le vent s’endort. / Dans les frondaisons s’envolent des ramages. / Le sol sous tes pieds avant de s’entrouvrir / Attend patiemment encore un peu d’amour. / On ne sait jamais, aime de toutes tes forces. / Sème à tout vent et tant que tu peux. / Il en naîtra peut-être quelque chose. / Un trèfle à quatre feuilles, une pensée, une obole.

Enfin, Miron, Breton et le mythomane.

Ce livre m’a délicieusement intrigué et amusé. Le narrateur Jean-Daniel Guérette a l’art de nous embobiner fort habilement. Tour à tour drôle, touchant, pénétrant et facétieux. On se laisse embarquer, on y croit presque, et c’est désopilant à la fin.

Maître ès canulars et mystifications, son pastiche de Miron est assez bien tourné (jusqu’à ce qu’il nous avoue que c’est peut-être Jean-Claude Germain qui l’a écrit : délicieusement malicieux ! ). Et son hommage, qui se termine par une jolie pointe : « Miron, le poète immense… Au commencement était le verbe. Nous attendons la suite. » Ironie majuscule… si lourde de sens !

Mais surtout, cette histoire rocambolesque de la disparition de « l’homme rapaillé » durant un an, au début des années 80. Cela m’est apparu tout de suite invraisemblable, car je rencontrais souvent notre poète national autour du Carré Saint-Louis, durant ces années-là en particulier. Je suis quand même allé le vérifier dans mon journal, tellement ton narrateur « mythomane » avait réussi à ébranler mes certitudes.

Puis la rencontre avec Kundera à l’aéroport… On se dit, de prime abord : mais oui, c’est possible, quelle heureuse occasion se présente là !

Enfin, André Breton à Saint-Jérôme, y découvrant le grand-père en douanier Rousseau des cabanes d’oiseaux. Fort crédible quand on sait que le pape du surréalisme était au Québec en 1944, et qu’il a voyagé de Laurentides en Gaspésie, comme il l’a raconté dans Arcane 17… sans mentionner le grand-père génial : ah, le traître !  On le lit tout de même comme un conte de fées, une histoire qui fait rêver. Trop beau pour être vrai, mais ficelé avec grande maestria, je le répète. Au fond, une célébration de la littérature. J’ai tout lu d’une traite, un soir.

En somme, Daniel, je suis très heureux que tes recensions de mes livres cette année m’aient amené à découvrir non seulement le sagace critique que tu es, mais aussi ta finesse et virtuosité d’écrivain de fiction. J’attends maintenant la suite de ton œuvre de création… Entre-temps, joyeuses fêtes de fin d’année, malgré cette peste de Covid !

Amicalement,

Mario Pelletier

26 décembre 2021

La réputation de l’auteur n’est plus à faire. Ce qui bien entendu ne dispense pas de lire ses œuvres. On le déplore souvent, il est impossible de tout lire. J’avais pour ma part négligé depuis longtemps de plonger dans un ouvrage de ce poète, médecin, amoureux du Grand Nord. Pourtant, bon an mal an, au fil des publications de Jean Désy la rumeur médiatique portait à mon attention l’importance de son œuvre. C’est seulement récemment que j’ai enfin ouvert l’un de ses recueils. Je suis loin d’être déçu. À vrai dire, je suis plutôt franchement ravi.

Désy n’a pas attendu que sonne l’heure de la réconciliation pour se rapprocher des gens du Nord. Il n’y a pas lieu de revenir ici sur le sombre tableau d’une histoire qui n’en finit plus de finir, histoire d’exactions, de spoliations, d’injustices dont les échos aujourd’hui sont de plus en plus percutants. Nous savons désormais combien nous avons été ignorants, et combien cette ignorance nous aura enrichis. Nos autochtones ne nous appartiennent pas, pas plus que leurs territoires. Mais c’est là une histoire dont je ne possède pas le fin mot. Elle s’est malheureusement jouée un peu partout sur la planète avec d’autres « indigènes ».

Heureusement l’heure nouvelle est faite de promesse. Des voix se font entendre et des oreilles toutes blanches se montrent maintenant réceptives. Des bouches toutes blanches témoignent des erreurs du passé, ainsi que des horreurs actuelles. Elles relaient jusqu’à nous un monde encore vivant, celui des toundras et des taïgas. Au Noroît, une Andréane Frenette-Vallières avec Juillet, le Nord se fait elle aussi ambassadrice des territoires lointains. Qui explore le catalogue de la collection poésie de Mémoire d’encrier constate avec les voix, entre autres, des Natasha Kanapé Fontaine, Joséphine Bacon, Yanick Jean et Laura Morali que l’univers des Premières Nations renaît vigoureusement, pourrions-nous dire, de ses cendres.

Avec Non je ne mourrai pas, ce n’est pas seulement un homme qui ne mourra pas, soit le personnage que met en scène ce « conte-poème », mais c’est aussi en quelque sorte l’univers nordique dont le poète chante ici les rigueurs et les splendeurs. Je veux dans les lignes qui suivent montrer que Jean Désy est parvenu à accomplir un magnifique travail de passeur ou d’ambassadeur.

Dans un court prologue, le conteur-poète présente son projet. Celui-ci est tout simple, bien que franchement ambitieux. Il s’agira pour lui de regarder la mort droit dans les yeux, mais par personnage interposé. Pour ce faire, il mettra en scène un homme, « voyageur blessé », agonisant au milieu de nulle part (« je suis quelque part en étant nulle part »), dans un paysage qui sa vie durant aura été pour lui un véritable paradis, le Nunavik, terre nordique de ses amours. Suite à un accident de motoneige survenu en plein hiver, l’homme « se bat, en rageant et en priant, pour survivre. » Voilà pour l’anecdote.

Dans un conte, point n’est besoin d’entrer dans les détails, d’en inventer une multitude. Une toute simple trame narrative suffit à évoquer l’essentiel, à atteindre le cœur de la question, le nœud du sujet. Dans un conte, il se passe peu de choses, mais ce « peu » signifie beaucoup.

Un mot du prologue retient mon attention : « réfléchir ».

Une réflexion sous-tend ce « conte-poème ». Désy est un poète sensible qui pense. Sa réflexion a trait aux « différences essentielles qui [lui]semblent exister entre les mots « vide » et « néant ». Mourir (« Je suis aux portes du rien / Environné par un vide trop grand / Que je ne peux nommer »). Mourir, c’est aussi interroger devant cette porte cela sur quoi, se refermant, elle s’ouvrira peut-être également. Le prologue met en vis-à-vis « un possible néant » et « un au-delà de grâce et de divinité ».

Ce conte-poème recèle donc aussi sa part d’essai, car c’est à qui conduit plus ou moins la réflexion, surtout celle qui porte un regard sur la mort et son au-delà fait de « vide » ou de « néant » ou peut-être de présence à travers ce que le narrateur appelle l’outre-vie. Celui qui meurt réfléchit tout en luttant pour sa survie. Il pose des questions, il pèse le pour et le contre des actions qu’il a posées tout au long de sa vie. Il en vient même à se juger. Pourra-t-il, sera-t-il autorisé (par quelle instance?) à franchir le seuil, à passer de l’ici à l’ailleurs ?  S’avançant par-delà ce qu’il nomme « outre-passage », une fois ouverte la porte ultime, sera-t-il apte à accéder à ce qui serait « une plus-que-vie » ?

Lutter pour sa vie, c’est se traîner dans la neige, s’abriter sous un traîneau (qamutik), abattre un tuktu (caribou) flairant notre présence dessous le traîneau. Survivre en ces conditions extrêmes, c’est accomplir peu de gestes, mais au prix d’efforts terribles, gestes pénibles dont finissent par prendre le relais des actions imaginaires, des rêves peuplés de créatures étranges. Le scénario est rudimentaire, je veux dire constitué de micro-actions relativement peu nombreuses. Ces dernières cependant s’inscrivent dans une courbe ascendante, elles gagnent en intensité au fur et à mesure que le voyageur blessé décline ou connaît un regain de vie. Les scènes où il se dépêtre dans son abri, puis en sort pour lutter contre les éléments déchaînés, alternent avec les moments de réflexion, de méditation, les délires, les fantasmagories, les rêves et les multiples questionnements : questionnements, car réfléchir en ces moments ultimes engage la conscience, conduisent le moribond à l’examen de conscience. Le personnage essaie de ne pas s’abandonner au désespoir. Il pense. En esprit, il revoit sa vie, ses parents, ses amis, une amoureuse, Lisa. Il attend du secours. Celui que ne manqueront pas de lui apporter les « coureurs de froid », Tayara et son frère Tamusi. Il anticipe l’arrivée de ses sauveurs, leur étonnement de le savoir toujours en vie; il imagine les échanges qu’ils auront.

D’autres amis sont identifiés. Ils se nomment Élise et François. Certains sont des autochtones, dont Tayara, à la défense duquel il s’est porté alors que « l’Autre » s’apprêtait à le tuer : « L’ai-je tué ou ne l’ai-je pas tué / Cette pensée me taraude ».

Les gens du Nord sont ses amis. Dans un rêve, il se croit enfin recueilli par des nomades. Ces derniers lui offrent le gîte chaleureux de leur rudimentaire abri de pêcheurs. Ils lui servent du thé, des filets d’omble, l’étendent sur un grabat, agrémentent ses tourments à l’aide de chants et de danses. Plus ce rêve se déroule, plus il prend des proportions merveilleuses. Le personnage est en proie au délire.

Désy a très bien saisi les particularités de l’univers imaginaire des nomades du Nord. Sous nos yeux tout s’anime lorsqu’il raconte. Les personnages de l’abri, « ces héros de paradis / se mettent à léviter ». La tête d’une jeune femme « Qui allaitait son bébé / se détache et se met à flotter ». La plume de Désy rivalise d’inventivité avec certains films d’animation qui ont fait la renommée de l’ONF. Même que l’attention que le poète prête à la chaleur des nomades, à leur vivacité, à leur discours (« Ils parlent dans un inuktitut qui chante / Que je connais si peu mais que j’aime ») fait songer aux pages du Barachois de Félix-Antoine Savard, alors que dans une démarche de chercheur ethnologue celui-ci entreprenait de recueillir les contes et légendes des pêcheurs acadiens.

Le « conte-poème » de Désy n’est pas écrit « dans un inuktitut qui chante », mais dans un français qui honore l’espace et la culture des amis nomades qu’il aime tant. Par les paysages évoqués plus que décrits, évoqués cependant de manière à leur rendre toute leur vibrante réalité, le poète nous fait pénétrer dans l’immensité infinie du monde de glaces où persistent et résistent les « camarines / Enfouies sous la neige / Immortels petits fruits nordiques / À jamais comestibles même en hiver ».  Ces camarines étoffent le propos de l’auteur. Elles ne décorent pas le texte. Elles scellent plutôt son authenticité. Le choix des mots importe. La langue du poète offre un écrin à certains mots apparaissant en inuktitut dans le texte. Ces mots disent le loup blanc (amaruq), l’ours blanc (nanuq), le caribou (tuktu) et d’autres réalités nordiques : la déesse qui pète (Itijjuaq), la neige durcie (kavisilaq) et surtout, alors que la liste demeure ici incomplète, cette belle expression : nakurmik marialuk, laquelle signifie « merci beaucoup ». Nous reviendrons sur cette expression, sur l’importance qu’il y a, du moins pour le « voyageur blessé », à rendre grâce quand nous sommes enfin à la merci de la mort. Bornons-nous pour l’instant à constater que si la présence de ces quelque vingt mots dans le texte peut d’abord dérouter et obliger à consulter le petit lexique fourni à la fin de l’ouvrage, ces mots en fait remplissent une mission. Ils donnent évidemment crédit au « réalisme » du récit, mais ils réparent l’injustice qu’il y aurait à priver encore une fois de leur voix les gens du Nord. Surtout, ils constituent une manière d’hommage rendu aux hommes et aux femmes des toundras et des taïgas, Innus, Cris et Inuits. Leurs cultures sont multiples, mais l’amour de Désy embrasse large. Il englobe les divers peuples du Nord.

Au contact de ces peuples ancestraux, le « voyageur blessé » a étendu les limites de son univers. Ainsi la foi de son enfance s’est-elle vue augmentée et transformée par la spiritualité propre aux civilisations du Nord. Les mythes et légendes sont l’illustration, la représentation du sacré. S’il ne balaie pas du revers de la main l’amour d’abord prôné par le Christ, au contact des aurores boréales, des lichens (« Quelques lichens me parlent d’une force / Attachée ici depuis vingt siècles »), des neiges et des ruisseaux de glace, inspiré par les croyances de ses amis nomades, le personnage créé par Désy en vient à éprouver pour l’univers une forme d’amour cosmique. Alors qu’il se tient devant les portes de la mort, deux avenues s’offrent à lui. L’une conduit au néant, la seconde mène à une forme d’au-delà. Mais ne trahissons pas Désy. Ne réduisons pas sa fable à de trop simples interprétations. Un « conte-poème » suggère diverses lectures. Toutefois, le titre d’un ouvrage demeure éloquent. « Non je ne mourrai pas » est un énoncé qui procède d’un acte de foi en un certain avenir. 

J’ai évoqué les films d’animation de l’ONF, leur beauté, la place qu’ils font à l’imaginaire, l’espèce d’aventure que constituent à elles seules les métamorphoses des images (dans le récit de Désy, il y a ce rêve où « Le pied gauche d’un des aînés / Qui giguait en chantonnant / Se libère de sa jambe / Pour s’envoler vers le ciel »). Tout cela, ainsi que des scènes d’amour où une louve blanche s’associe à sa Lisa, l’aimée d’hier, sans oublier l’intrusion d’une ourse venue allaiter son ourson dans l’abri où le « voyeur blessé » en vient à se nourrir lui aussi de ce lait qui se répand dans sa cache, tout cela, dis-je, nous le voyons fort bien grâce aux mots de Désy. Autre saisissante métamorphose, le personnage à la fin du conte se traîne jusqu’à un ruisseau où il se laisse glisser, devenant peu à peu un poisson gagnant la mer.

Le « conte-poème » offrirait sa voix nécessaire tandis que le cinéma ajouterait à tout ce merveilleux. Mais, encore une fois, il n’y a pas que l’action qui compte. Dans les mots se trouve une part encore plus importante de réflexion. C’est une réflexion où l’on en viendra à ce constat : la réflexion a ses limites, l’amour l’emporte sur elle. « Voler planer glisser /Et surtout ne plus réfléchir ». « Car dans le jeu de toute existence / Il n’importe que de nous aimer / Les uns les autres ». « Ai-je suffisamment aimé ».

À la fin du récit, cessera « tout questionnement / Sur l’être et le néant ». Le lecteur comprendra alors seulement pourquoi il n’est plus besoin désormais de questionner. C’est que la mer où l’on en viendra à se jeter apportera son ultime réponse. Mais nous n’y sommes pas encore. Pour l’instant, notre personnage s’interroge encore.

Désy a choisi de ne pas ponctuer son poème. S’il l’avait fait, son texte serait constellé de points d’interrogation. Les « pourquoi » abondent : « Pourquoi me suis-je battu / Sachant pourtant ardemment / Comme je l’ai toujours appréhendé / Que mourir n’est qu’une étape ». « Pourquoi pourquoi donc / Ce châtiment coupable éprouvé / Quand par les hasards de l’existence / On a dû éliminer son vis-à-vis ». « Pourquoi n’ai-je pas le cœur d’un mystique / Pourquoi cette question restée entière / D’être ou de ne pas être ».

Le « voyageur blessé » s’interroge. Se tenir devant la porte, c’est « être » en face d’un mystère. L’espoir peut donner à croire qu’au-delà de notre vie, nous nous retrouverons « dans cet inconnu / Dont personne ne peut parler / Autrement qu’en philosophant / En créant un poème / Ou en prophétisant ».

On le voit, cette fable est riche de sens. Le personnage réfléchit. Certes, au terme de son parcours agonique, il en viendra à éprouver un puissant sentiment de joie et de reconnaissance. Il ne pensera plus. Il avancera vivant dans la mort. Mais son parcours d’abord aura été autant physique que spirituel. Autant il se sera traîné à même le sol glacé en direction du ruisseau salvateur, autant les pensées l’animant l’auront fait avancer sur le chemin spirituel. Ces pensées, nous l’avons mentionné, ont trait au dialogue, à une jonglerie somme toute binaire où le personnage fait alterner en lui ce qui est alors plus que des concepts. Ce sont de possibles réalités : Néant ou au-delà ? « Ma foi en l’amour cosmique / N’est-elle finalement qu’une affaire / De couardise millénaire / Et mon addiction au néant / N’est-il qu’un trop plein de pensées / Une espèce de fruit pourri / D’un esprit trop raisonnable ».

Il a beau raisonner ainsi celui qui est en train de mourir, sa vie lui revient en mémoire. Il songe à Lisa, l’amoureuse, la louve. Et alors le conte se fait doux poème d’amour. Il songe à sa mère. Et le conte se fait encore poème d’amour, mais non plus d’un amour où prime la sensualité ; l’on y entend du rire et le bonheur invite à l’espérance de retrouvailles dans l’au-delà : la mère apaise les angoisses du fils. Il songe à son père : « Et toi mon père où reposes-tu / Dans quel lieu céleste dans quel piège / De boue de cendres ou de cristal / Au paradis ou dans le néant / Ton âme flotte-t-elle / Ou s’est-elle désagrégée / Toi mon père dont je me souviens / De toutes les fois où tu m’emmenais / À la pêche sur les rivières ».

Mais il songe aussi sans cesse à cet Autre qu’il a tué. « Ce geste n’annule-t-il pas tout espoir / D’une outre-vie d’une plus-que-vie / Comment enclencher cette possible danse / Avec les anges du divin / Quand on a volontairement choisi / De heurter son ennemi ».

Parmi les très belles pages de cet ouvrage se trouvent celles où le « voyageur blessé », porté par la musique de Bach (La Passion) qui intérieurement le soulève, transporté par sa foi, s’accorde à ce qu’il appelle l’amour cosmique. Il éprouve alors une joie intense. Il peut dire « merci ». J’ai mentionné l’importance des « pourquoi », dans ce poème on trouve autant de « merci ». Nakurmik marialuk : merci beaucoup. « Merci à la noirceur / Pour les lumières du matin / Merci aux abîmes / Qui me donnent le courage / De progresser chaque jour / Vers le gouffre qui demeure / La seule et unique vérité / Celle du trépas représentant / L’essentielle source de joie / Le mot joie me laissant triste / Parce que c’est pleurer / Plus que rire qu’il nous faut / La vraie joie étant un pleur / Qu’on acquiert une fois hissé / Sur les toits d’éternité ».

En lisant le très beau conte-poème de Jean Désy, je me suis souvenu d’un projet que j’avais longuement caressé. J’aurais souhaité écrire un livre pour enfants à partir des tableaux d’un peintre de chez nous. Ce peintre se nomme Pierre Morin. Il a réalisé de nombreuses œuvres en lien avec le Nunavik où il a fréquemment séjourné. J’ignore si Jean Désy connaît le travail de Pierre Morin. Je l’invite à y jeter un coup d’œil. Sans doute ces deux artistes pourraient-ils collaborer.

Voici un roman volumineux, imposant par le nombre de pages, il en compte plus de quatre cent soixante-sept. Plus qu’imposant, il est ambitieux, d’une architecture de cathédrale. Tout y est minutieusement mis en place, intelligemment concerté. C’est dire que l’auteur ne l’a pas écrit à la hâte, en improvisant, en confiant la trame de son récit à des personnages qu’il se serait contenté de suivre aveuglément, en leur laissant entièrement la gouverne de leur destinée. L’auteur a conçu un roman impressionnant.

Je ne crois pas être un lecteur facilement impressionnable. Du reste, s’il faut parler en toute franchise, au départ j’étais sans doute avec ce roman un lecteur difficile à séduire, étant plutôt étranger, par mes goûts et mes habitudes de lecture, au genre littéraire auquel appartient cette œuvre. Ma nature m’incline à lire surtout ce qu’on pourrait appeler des ouvrages de littérature pure et dure. Si je fais de tels aveux, c’est afin de mettre en valeur le roman de Pelletier, aussi pour prévenir des pièges, dus pour la plupart au type de préjugés qu’il m’arrive parfois de colporter, car enfin, c’en sont, qu’un certain snobisme souvent motive. On tombe facilement dans des pièges, tout particulièrement ceux de l’habitude et d’une certaine paresse intellectuelle.

Je m’explique. On excusera les stéréotypes dont je me sers ici. Je les utilise afin de rendre à César ce qui lui revient. Voici les stéréotypes. Nous opposons littérature savante et littérature populaire, formes complexes et formes simples. Nous opposons également deux types de publics cibles. Opposition grossière à mon avis. Le premier de ces publics est constitué de ce que l’on croit être la fine fleur, quasi aristocratique, celle des lecteurs chevronnés, lesquels savourent la finesse et la justesse d’un propos substantiel, ainsi que la qualité esthétique d’une œuvre. Des goûts se développent dans le sillage d’un Proust pour l’élégance, d’un Céline pour la robustesse et le franc-parler, la truculence du verbe, la crudité de la vérité. On est des littéraires ou on ne l’est pas !

Le second public cible serait le grand public, friand de contenu accessible, d’histoires palpitantes et bien racontées, avec simplicité, de manière linéaire si possible, où l’écriture brille pour ainsi dire par son invisibilité. Une autre catégorie, mais je l’ai dit, tout ceci est de l’ordre du stéréotype, serait celle d’un public occupant une zone intermédiaire. Il est composé de lecteurs et de lectrices aptes à affronter des œuvres costaudes, pour autant qu’on n’y coupe pas les cheveux en quatre, que leurs auteurs évitent les subtilités formalistes et les inventivités souvent inhérentes à une écriture absconse où la substance, lorsque substance il y a, joue à cache-cache avec le lecteur.

Où sont les pièges ? Les voici.

Supposons un lecteur entrant dans une librairie. Parmi l’abondante production, face aux propositions labyrinthiques que lui adressent les étalages, il aperçoit le roman de Pelletier. S’il appartient à la première catégorie des lecteurs, celle des fins gourmets ou qui se croient tels, il daignera à peine considérer ce roman. Il jugera le moine à son habit. Le feu de la couverture, le titre de l’ouvrage lui indiqueront que c’est là un roman destiné aux amateurs d’un genre qu’il ne prise pas, celui du roman d’aventures. Je sais, des purs et durs lisent aussi des thrillers, du polar, des romans de science-fiction, mais mon lecteur ce jour-là passe outre et décide de se procurer la plus récente traduction d’un roman de Dostoïevsky. Son choix est excellent, mais il a tort de faire la fine bouche, de lever le nez sur un roman dont il ne soupçonne aucunement qu’il regorge de qualités. Mieux vaudrait plutôt se procurer les deux ouvrages. Je voudrais lui montrer ici en quoi l’univers de Pelletier est susceptible de lui plaire et de satisfaire ses exigences.

Voici une lectrice cette fois-ci. Elle désire offrir un roman à son beau-père, un amateur de grosses briques qui, une fois l’an, dévore un ou deux immenses pavés. Elle voit l’habit et décide que le moine fera l’affaire. Je ne suis pas certain cependant que le beau-père appréciera à sa juste valeur le roman de notre auteur, s’il parvient à le lire en entier. C’est que Pelletier offre beaucoup plus qu’une aventure. On trouve dans son roman une substance qui pourrait échapper à notre lecteur. Surtout, cette cathédrale dont j’ai parlé plus haut, il se pourrait qu’en contemplant ses voûtes, ses fresques et tout ce qui fait sa richesse, notre lecteur ait le tournis. Il pourrait aussi s’épuiser en tentant de suivre le déroulement de la phrase de Pelletier, où rarement le sujet est immédiatement suivi du verbe et de son complément, phrase rarement sise à vrai dire sur une simple ligne et dont les déploiements sont souvent spectaculaires.

Quant à notre lecteur intermédiaire, celui-ci sera comblé. Il est apte à se repaître de ce que lui offre l’auteur. Il savourera une aventure époustouflante, que dis-je ? il faut parler ici d’aventures au pluriel. Il embarquera totalement dans la proposition de l’auteur, adhérera au produit de sa fertile imagination. Proposition dont la richesse a de quoi impressionner. Mais de quoi retourne-t-elle ? Qu’en est-il au juste ? Que nous offre Mario Pelletier avec ce roman ? Humblement, je confesserai mon inaptitude à bien le dire. Ce roman est fort complexe. Mieux vaut laisser le soin à la quatrième de couverture de répondre à la question. À vrai dire, rarement a-t-on vu une si honnête et pertinente présentation. La voici.

Un songe télépathique au moment des attentats du 11 septembre 2001 à New York entraîne Loïc Bolduc dans une quête hallucinante, sur la trace d’un camée maléfique trouvé dans une tombe.

Cette quête court sur trois siècles et deux continents, à partir de l’effondrement des tours du World Trade Center. Elle nous entraîne dans une saga familiale autour d’une énigme liée aux débuts d’un village fondé par un personnage plus grand que nature.

Récit à grand déploiement, La pierre de Satan est une chronique de fin des temps qui tient en haleine par la magie d’une écriture riche et alerte, souvent flamboyante.

Voilà ! C’est la pure vérité. C’est vendeur, et ça a le mérite de dire très bien ce que ça vend.

Je ne suis sans doute pas très bien placé pour dire si le sujet traité par l’auteur est original. Je l’ai dit, je lis habituellement des ouvrages d’un autre type. C’est comme ça. Du reste, j’imagine assez bien que les histoires de pierres maléfiques ou celles où le surnaturel se manifeste sont plutôt monnaie courante. D’ailleurs le narrateur de notre histoire nous éclaire à ce sujet. Il consacre plusieurs pages à la fin de son récit au phénomène largement documenté des pierres précieuses auxquelles on a pu prêter jadis et encore aujourd’hui des pouvoirs ésotériques. Il y a eu dans l’histoire de nombreux bijoux dont le destin aura été aussi extraordinaire que celui du camée de ce roman. Le narrateur en recense quelques cas. Ces bijoux ont donné lieu à ce qu’un personnage du roman appelle des « histoires d’influences occultes. » La dizaine de pages consacrées par l’auteur à ces bijoux est fort instructive. Pelletier est non seulement romancier, il est également historien, ce qui lui donne des moyens dont tous les romanciers ne disposent pas forcément. Son roman « court sur trois siècles et deux continents ». Si le camée au centre de son roman est le fruit de son invention, les pierres dont il parle ont une existence avérée, et il leur fut réellement accordé des pouvoirs magiques au fil des siècles. Il s’agit du Florentin, un diamant « entré dans l’Histoire entre les mains de Charles le Téméraire », ayant par la suite passé dans celles d’un pape, pour poursuivre longuement sa course à travers le temps. Le Florentin fut offert plus tard « en cadeau de mariage à nulle autre que Marie-Antoinette ». Je m’arrête ici, mais la chose va au-delà, qui avait entraîné des malheurs auparavant et qui en entraîna tout une kyrielle par la suite.

Après que Loïc, le personnage principal du roman, eut terminé de raconter les vicissitudes de ce bijou, un de ses interlocuteurs s’exclame : « Ça alors, quelle affaire ! […] Votre connaissance de l’histoire est fascinante. […] Votre érudition […] est peu commune. » Et Loïc de lui répondre : « Oh, vous savez […] sur Internet aujourd’hui, avec Wikipédia, il suffit de quelques clics de souris pour être érudit. » Eh bien ! Loïc se montre ici assez modeste, tandis que notre auteur esquisse un léger sourire plutôt amusant. Amusant, il l’est aussi dans un passage où une jolie femme déclare à Loïc qu’il ressemble à Jean Marais. Évidemment, c’est amusant parce que justement Pelletier ressemble à cet acteur. Par ailleurs, la carrière littéraire et journalistique de son personnage semble calquée sur celle de son auteur. Il semblerait que Pelletier signe ici un roman empruntant une large part à son histoire personnelle, pourquoi pas ? Les histoires d’amour de Loïc sont entre autres criantes de vérité.  Je songe aussi au passage de ce dernier, à titre de rédacteur, au cabinet de Pierre Elliot Trudeau, puis à ses travaux au sein du gouvernement de René Lévesque. Des pages du roman, passionnantes à souhait, sont consacrées à ces deux monuments de notre histoire. Pelletier sait de quoi il parle. Il y était.

Mais revenons brièvement à nos pierres. Les cas de possession diabolique en lien avec les pierres sont nombreux. Dont celui du Diamant bleu. Quelques pages du roman lui sont consacrées. Tout cela donne plus de poids, plus de pertinence au mystérieux camée au centre de ce roman. Sans compter ce que lui ajoutent, inscrites au cœur même de l’intrigue, nécessaires à son développement, quelques virées à Cuba — là où exorcismes et envoûtements font bon ménage. La santeria cubaine, la religion yoruba, les francs-maçons nous conduisent tout droit à des pratiques de sorcellerie ayant cours de nos jours au sein du gratin de la société américaine, ailleurs également dans le monde. Un sosie de Jeffrey Epstein apparaît à la fin du roman. Il joue un rôle important dans la réapparition du camée, dont les pérégrinations tout au long du roman sont nombreuses et hallucinantes.

Évidemment, je ne résume pas l’histoire ou plutôt les histoires que raconte le romancier. On aura compris qu’au départ, quelque chose en moi se montrait récalcitrant à le suivre, mais je dois l’avouer une fois encore, cette espèce de réserve et de scepticisme fut de courte durée. À vrai dire, dès la première page j’ai réalisé que cet écrivain, dont j’avais lu il y a quelque temps un recueil de poésie, est un auteur de grand talent. Cette chose, ce frisson agréable que procure une écriture forte et maîtrisée, tour à tour brillante et séduisante, m’a vite conquis. J’ai compris dès le départ que ce roman serait du solide. J’ai bientôt cessé de résister au sortilège de la pierre. Pelletier me proposait une histoire pleine de rebondissements, et qui s’ouvrait sur d’autres histoires. J’allais donc le suivre, puisqu’à chaque page il retenait mon attention. Ce diable d’homme sait y faire. Il raconte de manière vivante.

Si on juge que son histoire est à proprement parler invraisemblable, ce qui est loin d’être certain (on finit vraiment par adhérer à cette troublante fiction), c’est qu’on oublie que tout roman, vraisemblable ou non, procède de l’imaginaire et du symbolique, est finalement représentation et interprétation de la réalité. Le plus vraisemblable des romans n’en est pas moins fictif. Madame Bovary, sommet si l’on veut du roman réaliste, a beau être vraisemblable, il n’en demeure pas moins qu’il est tout aussi « inventé » que Les Aventures du baron de Münchhausen.

À vrai dire, j’aime que le roman de Pelletier fasse une si large part au monde réel. On me dira que le magnétisme d’un camée fatidique, que le paranormal et la sorcellerie que lui associent Loïc et plusieurs autres personnages du roman, que « des traverses insondables dans des champs quantiques de l’être-devenir où temps et espace se dissolvent », qu’enfin avec tout cela, nous nous éloignons davantage de la réalité que nous nous en rapprochons. Cet ésotérisme aurait peu à voir avec la réalité. Peu importe, si le roman justement nous y ramène. Qu’il nous y conduise sur un tapis volant ou par quelque autre moyen, peu importe. Quoi qu’il en soit, les magies, la noire et la blanche, font partie des thèmes à la disposition des créateurs. Après tout, Pelletier ne sort pas de son chapeau les rituels vaudous. Ils existent bel et bien.

Mario Pelletier, je le répète, est un romancier réaliste. Son incursion dans le « fantastique » est indéniable — jamais il ne perd de vue son camée — mais il ouvre aussi les yeux sur les concrétudes du monde. Dans ce qui est loin d’être des digressions, le romancier nous entraîne dans ce que j’appellerai des histoires dans l’histoire. Il s’arrête à certains personnages, à leur existence, afin d’éclairer son intrigue principale. Bien sûr, il met l’accent sur les aléas de la pierre et ses ravages, sur les recherches entreprises pour la récupérer, car depuis qu’elle a surgi de la tombe d’un personnage, lui-même énigmatique, connu sous le nom de Fondateur, elle va et vient, apparaît et disparaît au fil de l’histoire. Çà et là dans cette vaste fresque romanesque, Pelletier raconte des histoires relatives à des personnages   secondaires. Ils appartiennent parfois à l’Histoire. J’ai mentionné les Pierre Elliot Trudeau et René Lévesque. Dans des pages pour le moins fascinantes, on assiste à des épisodes importants de notre histoire. Ces pages à elles seules valent le détour. Mais d’autres sont tout simplement sublimes.

Le passage ayant trait à l’enfance de Loïc est magnifique de contenu et de finesse d’écriture. La prose y est remarquable, la syntaxe et le lexique sont d’une grande qualité. Nous sommes bien proches de la poésie, proches du grand art tel qu’il se rencontre dans les grandes œuvres romanesques. Un Gérald Tougas dans La mauvaise foi a produit plusieurs pages de ce calibre, dignes elles aussi des plus belles de Flaubert.

Pelletier maîtrise l’art consistant à bien écrire sans concéder quoi que ce soit à la facilité. Il permet toutefois au lecteur de lire sa prose avec plaisir, car jamais il ne sème en travers de sa route des embûches, des lourdeurs tarabiscotées à seule fin de briller en l’aveuglant, en lui jetant de la poudre aux yeux. Pelletier trouve le mot juste pour dire et montrer autant le monde physique que ceux de la pensée et du sentiment.

Notre romancier est aussi historien, je l’ai dit. Avec lui, nous redécouvrons un Québec rural, celui des années cinquante, celui des élections à l’époque de Duplessis. Pages formidables, denses, vivantes. Parfois, nous retournons un tant soit peu dans l’univers du Ringuet de Trente arpents. Il y a tant de densité dans le roman, ces petites histoires sont si prenantes que je déplore devoir en retenir si peu. Je risquerais de perdre mon lecteur dans les méandres d’intrigues secondaires si je les évoquais toutes, mais ces histoires donnent une plus-value au roman de Mario Pelletier.

Le moindre détail dans ce roman a partout son importance. Je l’ai dit, l’architecture en est magistrale. Rien n’y est décoratif, superfétatoire. C’est dire que ces petites histoires ne sont pas des parenthèses destinées à égayer ou à distraire du cours principal de l’intrigue pour mieux y revenir plus tard. Non, ces petites histoires appartiennent au roman de manière intrinsèque, sont des pierres essentielles à la confection de sa cathédrale d’actions et de mots. Oui, les personnages sont nombreux et l’action y est touffue, complexe, mais, fait étonnant, on ne s’y perd pas un seul instant, pour peu que l’on soit suffisamment attentif.

J’ai donc suivi le parcours hallucinant de cette pierre maudite avec beaucoup d’intérêt. Mais cet intérêt, les morceaux dont je vante la beauté l’ont souvent supplanté. Ces récits gigognes — poupées russes, petites histoires dans l’histoire— sont tout aussi intéressants les uns que les autres. Ce sont de véritables pièces d’anthologie.

J’en veux pour exemple le passage où est abordé le destin tragique de la femme du juge D’Anjou. Ce passage donne à son auteur l’occasion de faire valoir l’étendue de son talent, lequel est aussi à l’œuvre dans maints passages où le verbe atteint des sommets d’expressivité et de force poétique pour le moins vertigineux.

La femme se nomme Lucille. Elle a connu une existence peu banale au sein de la haute bourgeoisie de Québec. La voici devenue vieille, en proie à la maladie de l’Alzheimer. Elle demande à son mari de l’aider à s’enlever la vie. Il refuse catégoriquement. Puis, par une nuit de décembre : « Elle s’était donc glissée dehors, à peine vêtue, en fait bizarrement accoutrée d’un drap entortillé sur elle comme une toge. Il faisait froid à pierre fendre en cette fin de décembre, surtout sous le vent qui soufflait du fleuve. À cette heure encore enténébrée du petit matin, il n’y avait pas âme qui vive dans les rues. Personne pour remarquer cette voile blanche que la bourrasque soulevait, ce large pan du drap dont elle s’était enveloppée comme d’un linceul par-dessus sa chemise de nuit — et cela aussi semblait un grand drapeau blanc qui allait demander la paix éternelle dans le parc des Champs de Bataille. Ainsi la femme du juge D’Anjou, celle qui s’appelait Lucille, et n’était plus qu’oubli, paraissait flotter dans la neige que le vent tordait en tourbillons, flotter dans sa démence d’Ophélie boréale avec ses longs cheveux blancs, emportée dans le blizzard qui l’enveloppait, la soulevait. »

Mais ce n’est pas tout, ça ne s’arrête pas sur ces mots. J’ajoute que partout ailleurs, le roman appelle également le type d’interprétation que suggère le narrateur en terminant le chapitre consacré à la mort de cette vieille femme malade. Je veux dire qu’il y a pareillement lieu d’interpréter l’histoire de la pierre, d’en saisir la symbolique ainsi que le fait le narrateur en concluant le passage où meurt la vieille femme. Le roman, on m’aura compris, outrepasse sensiblement le sens premier que met en avant son intrigue.

Voici les derniers mots du chapitre : « On la découvrit au lever du jour, bouche scellée à jamais par le froid sur les plaines d’Abraham, à l’endroit même — comme le constata plus tard Loïc —, où Montcalm était tombé en 1759, scellant le destin d’un peuple. (Était-ce la tragique métaphore d’une nation morte à bout d’amnésie?) Elle était recouverte en partie de neige, faisant écho à cette jeune femme trouvée morte autrefois dans le Midwest, un bébé emmitouflé dans ses bras. »

On ne peut pas tout dire dans une recension. Je n’ai rien dit de cette femme et de son bébé. C’est qu’on ne doit pas tout dire. Le temps est venu de passer le flambeau. Aux lecteurs maintenant de découvrir les trésors que recèle ce roman. J’ai peu parlé du Fondateur du village de Touladi. J’ai dit la savante architecture, mais n’ai point dit en quoi elle consiste. J’ai souligné la qualité de l’écriture de Pelletier, mais n’ai point cité les plus beaux passages, nombreux à vrai dire, où l’écriture se manifeste dans toute sa splendeur. Surtout, j’ai omis de mentionner que cette écriture séduit parce qu’au-delà de ses indéniables qualités esthétiques, elle colle au propos du roman, l’exprime et le suggère. J’ai fait allusion à la culture de l’auteur. Il fallait dire qu’elle ne relève pas de la confiture, grandement étalée quand on n’en possède que très peu. Tout comme l’écriture, la culture est ici au service de l’histoire racontée. J’ai suggéré que cette histoire se prête à l’interprétation. La pierre, en effet, dans ses nombreux rebondissements laisse entrevoir peu à peu son symbolisme. Elle est en quelque sorte métaphore, allégorie. « Loïc comprenait qu’en ce monde une multitude d’êtres et de consciences sont des « pierres de Satan ». Ils rayonnent d’influences maléfiques, ils irradient des ondes funestes, ils diffusent les basses énergies du mal. Le plus souvent à leur insu, par inconscience. Ils ne sont pas mauvais, ils se croient même bons, ils ne savent pas ce qu’ils font. »

Il y a quelqu’un, véritablement quelqu’un qui parle dans les poèmes de Paul Chanel Malenfant. La voix toujours claire du poète nous fait percevoir sa présence. Nous comprenons aisément ce qu’il dit. Le raffinement discret de sa parole repose sur un verbe épuré, dont toute afféterie est absente. Une telle qualité ne repose jamais sur de scintillants artifices. Je la crois en lien direct avec les travaux qu’exécutaient son père et sa mère, alors qu’il était tout jeune enfant. Le père lui aura transmis l’amour du travail bien fait, lequel est à l’œuvre dans la solide charpente du recueil. L’univers de la mère, assimilable à celui de la dentellière — elle réalise maints petits travaux d’aiguille — teinte également le recueil. Jeune enfant, le poète rêvasse dans des chambres où lui parlent les objets qui, bien que familiers, miroirs, face-à-main d’argent, poudriers, etc., recèlent des relents de mystères et de secrets : c’est là un univers de silence qui trouve des échos chez le père : « Pensant, mon père tenait son crâne entre ses mains. »

Je ne vois aucun maniérisme dans le verbe de Chanel Malenfant. Aucun tape-à-l’œil. Le naturel lui est sans doute vraiment naturel. Cela se voit parfois chez des poètes de sa trempe. J’ignore si en amont son œuvre a toujours été à ce point fidèle à un principe d’authenticité que le poète me paraît ici respecter en toute humilité. C’est que se détourne des jeux faciles et gratuits quiconque écrit, alors que le soleil se noie là-bas à la crête de l’horizon. Poussé par un réel sentiment, j’allais dire de recueillement, le poète inscrit sa parole dans un rapport exigeant à ce qui advient de son être au sein d’un univers à la fois sublime et chaotique auquel il s’apprête à faire ses adieux.  

Au moment des adieux, car voici le poète maintenant avancé sur ce versant, la langue du poète se fait transparente, diaphane : elle révèle une âme, elle laisse passer la lumière. Ici, ailleurs, la lumière, titre d’un recueil de Fernand Ouellette. Certes, les poèmes de Chambres d’échos sont écrits, sont vécus dans l’ici même du temps présent. Aucun ailleurs, de son propre aveu, c’est en tout cas un sentiment qu’il formule, ne semble attendre ou inviter notre poète ; mais la lumière assurément demeure, même au milieu de sa nuit, elle éclaire le poète. Elle traverse et illumine son recueil. Il écrit : « Le premier mot du poème est un arrêt de mort. » Cela n’empêche pas le poème qui commence ainsi de se terminer par la célèbre citation de Cohen : « There is a crack in everything. That’s how the light gets in. »

Après une brève introduction, sorte d’argument où sont posées les bases de l’ouvrage, sa thématique si l’on veut, le recueil débute avec ces mots « Je suis un résistant … ». Un « Je suis », initial dans quelques poèmes, anaphorique, traverse le recueil. Ainsi découvre-t-on éparse au fil des pages la kyrielle suivante : « Je suis un étranger … », « Je suis le pilleur … », « Je suis un fils vieillissant … », « Je suis un déporté … », « Je suis un hôte de passage … », « Je suis un réfugié de la langue… ». Le livre de Chanel Malenfant, on le constate dès les premières pages, expose un récit composé de poèmes au centre desquels apparaît le poète. L’ouvrage est largement autobiographique. On pourrait croire qu’une visée narcissique anime son écriture, ce serait oublier les fameux mots d’Hugo et de Baudelaire : « Ah ! insensé qui crois que je ne suis pas toi ! » : « — Hypocrite lecteur, — mon semblable, — mon frère ! » Ce serait faire fi d’une réalité supérieure qui fait les artistes, du moins les plus vrais, toujours parler également au-dessus et au-delà d’eux-mêmes. Leur disparition physique d’êtres vivants, lorsqu’elle surgit, n’abolit jamais totalement leur présence accueillante et réfléchissante. Hugo avant même de mourir, et d’une manière générale tout poète parmi nous, cède au sein de sa parole la place à ses lecteurs. Cette expérience n’est pas unique, mais Chanel Malenfant la réalise avec une authenticité à laquelle équivaut ou dont est redevable l’extrême qualité de son verbe. Enfant, il fit ses gammes. Un tel travail, on le devine, transposé dans le domaine du verbe, fut poursuivi tout au long de son aventure de poète. Ainsi son poème repose-t-il sur un savoir-faire qui cependant finit par devenir secondaire, en ce sens où la technique, comme c’est le cas chez le musicien de haut niveau, finit par dissiper voire annuler l’effort pour, dans sa forme splendide, favoriser le déploiement de ce que porte le poème.

Le « je » chez notre poète, pour fortement autobiographique qu’il soit, s’élargit grâce à l’accueil du poème au « nous » augmenté, n’ayons pas peur du mot, de l’humanité. « Je suis migrant … », lu dans un poème, est l’équivalent de ce qu’on lit dans un suivant : « Nous sommes des passagers transis aux impasses … ». Le privé va de pair avec le collectif. Si le poète est au centre de son discours, recensant sa propre histoire, au passé, au présent et faisant désormais face à un avenirfermé, car il n’est pour lui aucun au-delà viable, il est également résolument tourné dans toutes les directions de la périphérie. La Terre est ronde et tout ce qui, sur son sol, est humain et inhumain ne lui est pas étranger. Le sort d’un avenir collectif lui-même incertain le trouble profondément, car point n’est besoin d’être devin pour lire dans le présent ce que nous réserve l’avenir. Les temps modernes sont terrifiants : « Tu habites un siècle sauvage. » Plus loin : « J’ai mal à ce siècle armé jusqu’aux dents. Il a tué l’âme des oiseaux, abattu à bout portant des enfants, des femmes, des civils innocents. » Puis, résumant l’essentiel de cette préoccupation, ce simple paragraphe : « Arrêt de mort, la marche militaire ne va nulle part. »

Des énoncés de cet ordre, puissants et isolés par du blanc, essaiment dans le recueil. Ils ont parfois la qualité de l’aphorisme : « Du sens surgit du temps. », « Le réel brûle le rêve en effigie. », « Les âmes errantes n’ont pas d’odeur. » Ce ne sont pas là tout à fait des vers, du moins ces énoncés, si je ne m’abuse, apparaissent pour la plupart au sein de textes poétiques en prose. Cette manière de faire a le mérite de mettre le sens en évidence. Aussi, quand nous les lisons sommes-nous davantage interpellés. Une question comme la suivante est alors lestée d’un poids imposant dans l’espèce de vide (le blanc) l’encadrant : « Où va le temps quand il passe ? » De même, « Je suis un soldat de plomb enseveli dans la mémoire. » apparaît-il en condensé comme le porteur, le résumé d’un sens que développent les poèmes autour de lui. Ces procédés n’ont rien d’artificiel, notre poète n’est pas un faiseur, mais, tel que mentionné plus haut, il sait faire ; la base est solide qui permet à l’oiseau de s’envoler sans se soucier de la mécanique assurant le battement de ses ailes.

Prose ou vers, la maîtrise de l’écriture dans ce recueil est partout manifeste. À preuve de ce que j’avance, je citerais volontiers l’entièreté de l’ouvrage. D’une lumière qui n’a cependant rien d’aveuglant, ses vers m’éblouissent. La chose est plutôt rare : Malenfant écrit des vers qui sont véritablement des vers. Ils sont libres, mais demeurent entièrement vers, totalement, par le rythme, la frappe, la touche, la sonorité, autrement dit par leur musicalité.

Je me faisais hier la réflexion suivante : Il se pourrait que dans certains cas le poème soit considéré à l’aune d’un plus ou moins intentionnel pour ne pas dire conventionnel brouillage du contenu. Méprisé lorsque tout en lui semble beaucoup trop clair. Les vers suivants de La Fontaine, explicites quant à leur signification, ne seraient pas aujourd’hui considérés comme poétiques : « Chacun tourne en réalité, / Autant qu’il peut, ses propres songes : / L’homme est de glace aux vérités ; / Il est de feu pour les mensonges. » Comme il n’y a pas lieu de démêler avec eux une inextricable dentelle, on peut croire que toute poésie en est absente. Ce n’est pas une toile d’araignée où, pris au piège d’un sens par trop éclaté ou plus simplement absent, l’esprit cherche à se libérer de son incompréhension, à collaborer en tant que co-créateur à l’émergence du sens, pour autant que l’on tienne à ce qu’un poème puisse signifier quelque chose.

Paul Chanel Malenfant ne propose pas d’énigmes à ses lecteurs, ou si peu. Le sens ne tarde pas à se manifester dans ses vers. Un homme déclarant que, pour lui, il est « temps de [se] dépouiller des chemises et des chemins sans buts » n’a pour ainsi dire pas de temps à perdre en jongleries vaines. Un tel homme, au soir de sa vie, est désormais « de [feu] aux vérités », surtout il se tient debout devant le feu qui de plus en plus décline à l’horizon. C’est là une vérité qu’il ne saurait occulter. La parole est précieuse en ces temps ultimes. On ne la dépense pas en acrobaties langagières, en poudre aux yeux. Je le disais plus haut, je ne sais pas s’il en a toujours été ainsi pour Chanel Malenfant, mais le livre qu’il nous offre aujourd’hui relève du témoignage où il va de soi qu’on jure de dire la vérité, toute la vérité. Or cela se fait dans le cas de notre poète avec un naturel désarmant qui laisse le lecteur pantois. Voici le lecteur se tenant debout devant un auteur qui donne sans compter. Qui raconte sans ambages l’histoire de sa vie, alors que le soleil déjà le salue au bout de l’horizon.

Pas d’inextricable dentelle chez notre poète. Son poème certes a de l’étoffe, mais c’est dire ici qu’il offre un contenu qui fait également tout son prix. J’ai vanté la forme, insuffisamment à vrai dire ; je veux maintenant traiter de la substance. Tout comme j’aurais cité le livre de sa première à sa dernière page, lorsque j’ai évoqué la qualité de l’écriture du poète, il me faudrait retranscrire ici l’entièreté du volume afin de souligner l’intérêt que représente ce que nous dit Malenfant, car rien ne s’y trouve en trop ; chaque page est nécessaire, qui dévoile un pan de la pensée ou du sentiment du poète. Pensée devant un monde entraîné dans une course folle, l’Homme s’avançant inéluctablement dans la direction de son proche anéantissement. Sentiment de déréliction dû à la déroute collective, auquel s’ajoute le sentiment personnel de la perte. Le recueil développe ces thèmes en les déroulant ainsi que deux rubans ou cordes, dont procède un pussant amalgame. Il s’agit d’une tresse faite de ces deux fils qui en se resserrant éprouvent et tordent l’âme du poète. Le fil du politique se joint à celui de l’intime. L’auteur sans les nouer les allonge sur la ligne d’horizon.

Le poète se tient debout. Il marche lentement au bord de la mer. Ou alors, depuis sa fenêtre, il observe au loin ses miroitements, ses scintillements. Il n’oublie pas que le monde est en proie aux sinistres de la guerre et de la destruction. Il éprouve de l’empathie pour les laissés-pour-compte. Ces préoccupations l’agitent alors qu’il contemple les eaux du fleuve. Les misères de tout un chacun cependant n’oblitèrent pas les blessures de l’intime.

Le poète regarde la ligne d’horizon et contemple un coucher de soleil romantique. Je dis « soleil romantique » non seulement en songeant à Baudelaire (« L’irrésistible Nuit établit son empire »), mais bien parce que les poèmes de ce recueil sont empreints d’une sensibilité remarquable. Paul Chanel Malenfant assiste, songeur, à son propre amenuisement. « La chute du chardonneret ne fait pas de bruit. / Ni l’œil du tison s’éteignant dans la cendre. » Le poète jette en perspective cavalière un regard amoureux sur les grandes figures, aujourd’hui fantomatiques, de ceux et celles qu’il a aimés, qui ont peuplé son existence. Le fil de l’intime traverse le recueil, suit le parcours, le trajet de l’auteur. Dans le désarroi de ce dernier, le drame personnel pèse sans doute davantage que le poids de notre monde en chute libre. Il a beau « assist[er], impuissant, au martyre des enfants de la Ghouta orientale », en être profondément affecté, sa vie se sera pourtant jouée sur un tout autre plan, affectif celui-ci. Le poète remonte le cours de son existence afin de mettre en évidence l’espèce de fil d’Ariane qui l’a conduit à sa fin de vie toute proche. Il fait écho au sentiment amoureux qui est à l’origine du poème de sa vie.  

Tout chez Chanel Malenfant est amour. Dès la tendre enfance, dans sa famille d’abord, auprès de son père, de sa mère et de ses sœurs. On le suit alors qu’il évoque la tourmente adolescente où, jeune garçon, il découvre l’amour avec de jeunes garçons. La sexualité est au centre de l’aventure humaine. Elle est évidemment au cœur de l’existence du poète. J’y reviendrai.

Plus tard, l’homme noue des amitiés. Il s’adonne à son art, puisant lors de ses séjours en Europe aux sources des esthétiques qui alimenteront ses délices et ses joies de toujours. Puis, des amis chers disparaissent, emportés par la mort, certains se suicidant. Il fera trop tôt ses adieux à une grande amie emportée par le cancer. Son vieil amant, son tendre compagnon, à qui le lecteur se sera attaché en lisant le précédent recueil de l’auteur, son amoureux, meurt également. Chanel Malenfant lui adresse dans Chambres d’échos un poème émouvant. J’y reviendrai. Mais j’insiste sur ce point, tout chez notre poète est de l’ordre d’une fine émotion, d’une sensibilité aux choses de la vie, allant des êtres qui nous la donnent à ceux avec qui on la partage. Tout est pur ainsi que l’aura été sa petite enfance. Nul sans doute ne chante aussi bien que notre poète les ombres et les lumières de l’enfance, celle des jouets d’antan et des belles heures d’ennui au milieu du silence.

À la question posée par le poète : « Où va le temps quand il passe ? », nous pourrions répondre que le temps a beau passer, il n’emporte pas tout avec lui. On ne sait pas trop où va le temps quand il passe, mais l’on peut croire que l’enfance est sans doute ce qui jamais, du moins chez certaines âmes, ne disparaît tout à fait lorsque le temps s’en va. Si bien que ce que l’on entend ici dans les vers du poète, c’est bien le fil mélodique jamais tout à fait rompu du plus intime de son être, fil préservé en soi, malgré les outrages du temps, les déconvenues et les deuils.

Le poète a beau s’insurger (« tu tentes d’effacer les traces de l’obsédante enfance »), il ne peut et sans doute ne veut pas réellement se défaire de ses rets, de ses rayons lumineux, des échos du temps passé qu’il retrouve aujourd’hui encore au cœur de sa chambre. Il écrit : « Une hirondelle d’enfance a perdu le bleu de son envol, le sens de son sillage. » Oui, peut-être, mais le poète n’a pas perdu la voix préservée de l’enfance qui en lui chante si justement son désenchantement. C’est par son poème qu’il parvient à mettre en mots l’évanescence de sa vie, et c’est de son enfance qu’il tire le fil de son poème. Il n’a qu’à s’emparer de ce fil pour que lui revienne telle quelle son enfance : « Je voudrais d’un livre comme un kaléidoscope, un puzzle, un abécédaire aux lettres permutables, aux signes réversibles. Il volerait en miettes, à la chute du vent sous les semelles, flottant tel un léger sommeil. En rêve, les choses sont des échos. Quand j’écris, je m’invente. »

Ce poème ramène à l’avant-scène des jouets et des jeux éducatifs associés à l’enfance. Bien que dans le poème précédent le poète ait parlé « d’effacer les traces obsédantes de l’enfance », le rêve d’un livre pour lui s’apparente à ses plus précieux moments d’enfance, à un esprit d’enfance qui décidément ne le quitte pas.

Le livre qu’il nous propose avec ces Chambres d’échos fait entendre « l’inflexion des voix chères qui se sont tues » (Verlaine). Ce sont les voix, on l’aura compris, du père et de la mère, celles des amis défunts, celle de « l’amant de toujours » : « Tandis que tu emportes avec toi, ô mon vieil amour, ta mort durable comme un serment d’éternité. »

Je prétends à tort ou à raison que pareille tendresse relève de la « fontaine [jamais] éteinte », qui a nom enfance, et qui chez certains perdure jusqu’à la toute fin.

Malenfant écrit : « Je voulais être poète avec des lettres de noblesse. » Assurément, c’est chose faite. Son vœu s’est hautement réalisé. Avec ce livre en main, nous sommes les heureux bénéficiaires des fruits de son labeur.

Mon billet pourrait se terminer avec ces mots, mais ce serait faire faux bond à cet ouvrage, dont je crois n’avoir pas suffisamment mentionné, non pas tout le bien que j’en pense, mais plutôt, outre ce qui à mes yeux motive ce bien, des points que j’ai laissés en suspens. J’avais annoncé que je reviendrais sur certains aspects du recueil. Ce ne sont pas des détails mineurs. Je ne puis donc laisser dans l’ombre les pages que le poète consacre d’une part à son histoire sexuelle et d’autre part à son long compagnonnage avec celui qu’il appelle son « amant de toujours ».  

Je serai bref. Sous un même grand ciel bleu de tendresse, je coucherai les amants d’un jour et celui de toujours. Je dis « tendresse ». C’est que le poète embrasse son histoire en marquant finement, affectueusement, les étapes de son cheminement, de son parcours. Les lecteurs qui referont avec lui son trajet participeront à un voyage dans le temps où tout leur reviendra en mémoire. Marqués par des amours de petites filles ou de petits garçons, puis de femmes ou d’hommes d’âge mûrs, tant nos histoires se ressemblent, nous nous retrouvons dans les poèmes de Chambres d’échos. Chez Chanel Malenfant plus que chez quiconque, je découvre une manière de dire dont la pondération me séduit, dont les audaces n’ont rien de provocateur. Il connaît l’art du développement, du trait fin progressant peu à peu et se faisant plus robuste. Je ne puis ici rassembler tous les cailloux du chemin de ce Petit Poucet, mais je le suis d’un bon pas lorsqu’il me raconte ses histoires d’enfance, de petit garçon jouant avec de jeunes filles en fleurs, dormant dans la chambre de sa défunte grand-mère, parmi ses souvenirs, ses parfums et des fleurs fanées. Lorsque le poète de fil en aiguille aborde ses premières séductions avec les garçons, je suis ébloui par sa façon de les évoquer : « Au préau d’un séminaire de jeunes hommes / Se lient des amitiés particulières des goûts / De bouche à bouche et d’anus / De fleurs de rose et de phallus ». La rime ici est audacieuse. C’est que les rimes sont proscrites depuis belle lurette. Je dis audacieuse sur le plan poétique, le poète pouvant être dénoncé pour cause de marche arrière, de retour à l’autrefois du poème. Audacieuse, mais surtout savoureuse, parce que mieux que tout autre trouvaille langagière, elle exprime magnifiquement la réalité des amours viriles. Ce que j’ai évoqué plus haut quant à la qualité du vers de Malenfant est parfaitement illustré par ces vers.

Comme d’habitude, mais ici plus que jamais, au moment de conclure m’habite le sentiment de n’avoir rien dit. J’ai omis de souligner la diversité que l’on rencontre dans ce recueil où chaque pièce s’inscrit finement dans l’ensemble. Jamais n’a-t-on le sentiment de relire le même poème. Ils sont beaux. Certains sont tout simplement magnifiques. Mais qu’est-ce que la beauté ? Sinon une très profonde humanité se manifestant entre autres au cœur du poème. Elle est à l’œuvre lorsque le vieil amant se voit salué en ces termes.

Pericolo di morte / Je suis toujours endeuillé / Du vieil amant de portage et d’aventure / Qui croyait en Dieu et en l’éternité / Mort sans voix d’un fibrome à la gorge / Remplie de clous et de cailloux // Freud en silence / Veillait à son chevet

Cher poète, en terminant, un dernier mot. Vous écrivez à la toute fin de votre livre : « Tant pis si je ne parle à personne d’autre qu’à moi-même : quand elle tourne sur ses rouages et se donne à la vague, la mer fait de même. »

Sachez que « vos lettres de noblesse » ne sont pas lettre morte. Vous ne parlez pas tout seul. Nous entendons très bien ce que vous dites. Mais l’heure n’est pas encore venue d’allumer « sur la grève un feu de bois. »

Un si bel objet ne tombe pas du ciel. De pareils poèmes ne s’improvisent pas. Tout un cours les charrie, avec en amont des expériences de lectures et d’écritures, avec également et surtout de la vie, ce qui s’appelle aimer, rire, jouir, souffrir, rêver. Vivre nous confronte à de la mort. En présence ou dans l’absence du sacré, mais toujours avec le sentiment d’une certaine urgence. En éprouvant une indigence irréfragable.

Dans le cas de Denise Desautels, le poème constitue une pratique sans doute fort particulière. Le cas est-il unique ? Sans doute pas, mais il est rare que des auteurs et des autrices s’engagent sur la voie du poème en arrimant leur parole, ainsi que le fait la poète, à des affluents aussi nourriciers que le sont pour elle les œuvres d’art ; rare que dans la parole poétique soit à ce point convoquée et si intimement, d’une manière pour ainsi dire consubstantielle, la présence active et participante de l’autre, d’une œuvre autre, fondamentalement même et différente.

La parole de Desautels procède du dialogue. La poète ne parle pas « de », elle parle « avec » cela qu’elle contemple, dans ce qu’elle observe et non pas en face d’objets qu’elle chercherait à traduire. Elle ne transpose pas le visuel en mots, ne s’approprie pas l’art de l’autre, n’entache pas son intégrité, mais associe à son propre poème la part de l’autre que l’autre lui concède.

Analyser et commenter plus ou moins froidement des œuvres d’art, cela se conçoit, cela est courant, relève de la raison et du savoir. Desautels procède autrement. Certes, elle sait beaucoup, mais elle ne travaille pas en critique d’art. On devine qu’elle en serait capable, mais elle fait tout de même autre chose. Le processus de création à l’œuvre dans son travail implique davantage qu’une coopération passive et réciproque, comme on en voit lorsque plus ou moins arbitrairement sont adjointes des images à un livre afin de l’enrichir, de l’enjoliver artificiellement. Le recueil de Desautels ne résulte pas d’une création autonome accueillant en son sein des illustrations qui eussent pu indifféremment égayer, à la manière d’une distraction, n’importe quel autre recueil. En ce sens Disparaître n’est pas un recueil autonome, quoiqu’à bien y penser ce l’est peut-être. Chose certaine, au départ, au niveau de l’inventio, à l’étape de sa conception, puis tout au cours du développement du poème, de son aventure, il y a un réel accouplement, un appariement qui est ici de l’ordre de la symbiose. L’oiseau-lyre s’envole dans l’univers de la toile, se pose dans un coin du dessin ou de l’installation, y fait son nid à partir du matériau qu’il y découvre, dans lequel il met enfin du sien, sa propre couleur, le timbre de sa voix, son chant.

Le titre de l’ouvrage ne vient pas seul. Il est suivi d’un complément, pas tout à fait sous-titre, mais plutôt éclaircissement, manière de discrète indication. Après Disparaître, immédiatement sous le titre, ces mots : « autour de 11 œuvres de Sylvie Cotton ». Nous lisons « autour de », et non « avec », « accompagné de » ou « illustré par ». La préposition souligne que le type de relation qu’entretiennent les poèmes de Desautels avec les œuvres de Sylvie Cotton n’en est pas une de simple cohabitation, de banal partage d’un même espace. Que celles-ci précèdent ou non ceux-là importe peu. Les poèmes certes sont tributaires des œuvres de l’artiste (affluents ai-je dit, éléments déclencheurs, bougies d’allumage), mais Desautels n’écrit pas à partir d’elles, je veux dire qu’elle ne les quitte pas, ne les abandonne pas en cours de route. Bien au contraire, elle demeure présente à ces œuvres et s’installe en leur cœur même. Œuvres d’art qui sont ici moins points de départ que points d’arrivée. Ou les deux à la fois. La poète ne part vraiment de là que pour mieux y revenir : « tu dis silencieusement / Disparaître / tu dis Rester / Partir. » Elle ajoute : « Comme si faire demi-tour était encore possible. »

Faire demi-tour est impossible. L’œuvre de l’artiste n’est pas tombée du ciel. Elle intervient au milieu de la réalité de l’autrice qu’est Denise Desautels. C’est une œuvre qui vit dans le vivant. Devant cette œuvre, pas plus que dans la vie, nous est offert le loisir de rebrousser chemin. Nous avons des énigmes à résoudre, celles de l’existence, celles de l’art, celles du poème. On le voit, dans cette aventure, la poète n’est pas seule. Elle a rencontré une artiste. Elle entre en dialogue avec elle. Elle entre en résonance, en contemplation, en méditation. Ses mots chantent et dansent autour des œuvres de son amie. Ainsi se rencontrent le poème et l’art, multiple et varié dans le cas du travail de Cotton, mois éclaté, ce me semble, plus unifié, du moins sur le plan de la forme, dans celui de la poète.

Que dit une œuvre d’art ? Que dit une œuvre d’art aussi inventive ? Plus spécifiquement de quoi nous parlent les onze œuvres de Cotton ? Nous pouvons penser ou croire que l’art en nous interpellant ne nous parle pas vraiment, ne tient pas nommément de discours. Qu’il ne dit strictement rien. Or en ce vis-à-vis qui prend place dès lors que nous sommes mis en présence d’une œuvre, quelque chose tout de même parle à travers et dans le regard de qui accepte et quémande le face-à-face de la rencontre. Nous ne traduisons pas « image pour mot » ce que nous voyons, ce à quoi nous assistons, mais un travail secrètement se met en branle. Dans la tâche qu’accomplit l’œuvre, nous devenons en quelque sorte des assistants, des participants.

Le travail de Desautels s’inscrit dans le poème, consiste à écrire autour des œuvres dans le compte tenu de ce qu’elles accomplissent en elle. Puis, vient le lecteur, qui devant les poèmes de l’autrice est invité à entreprendre un cheminement analogue. De la même manière qu’on interroge l’œuvre d’art, se demandant parfois non sans étonnement à quoi elle peut référer, le lecteur plongera dans les poèmes de Desautels et sera peu à peu en mesure de comprendre « autour » d’eux, en partant d’eux, pour mieux leur revenir.

On le sait, je ne l’apprends à personne, Denise Desautels est l’une des grandes voix de la poésie québécoise. Or il se trouve qu’une certaine grandeur, du moins en poésie, requiert souvent de la part des lecteurs qu’ils se hissent un tant soit peu sur la pointe des pieds, pour entrer lentement, avec sagacité, dans l’univers du poème. Cela s’appelle être attentif, fournir un effort, ne pas s’en tenir à passer en coup de vent dans un recueil, pour ensuite, penaud, déclarer forfait et conclure de cette mésaventure que la poésie est un art sibyllin, qu’elle est toujours écrite dans une langue étrangère, qu’elle est somme toute une lettre mise à la poste sans adresse et dont personne jamais n’est finalement le destinataire.

On aimerait mieux la poésie si l’on admettait que lire un poème, même le plus simple d’entre tous, c’est moins lire que relire. Il faut « rester » au plus près du poème, sinon il disparaît.

Je reprends le recueil de Denise Desautels. Je l’ouvre à nouveau.

Premier poème : « Ça commence souvent par une voix. / Cette fois c’est la tienne / tandis que j’avance désinvolte. » Je n’analyserai pas le poème qui commence avec ces mots. Seulement, ceci, à son sujet. La poète chemine, distraitement, de manière désinvolte, dit-elle. On l’imagine dans une galerie d’art, là où parfois justement l’on passe rapidement, sans vraiment regarder. Or voici la poète bientôt interpellée par une voix qui déclenche en elle le puissant désir de rencontre. C’est « parmi quelques portraits d’inconnus » qu’elle déambule, lorsque dans la galerie elle voit une œuvre et lit son titre : « Disparaître ». C’est une œuvre appartenant à la série intitulée « Rester / Partir ». Il se trouve que cette œuvre fait partie de celles contenues dans le recueil. Elle a de quoi étonner. Il s’agit d’un genre de miroir ovale qu’encercle une ornementation de faux or. À vrai dire, ce miroir ne réfléchit rien, sinon une absence, une disparition. On n’y voit qu’une substance foncée ; comme de la terre, celle où l’on enfouit les morts ; comme de la cendre, celle que deviennent les morts lorsqu’ils disparaissent. C’est autour de cette première œuvre que s’amorce le travail de la poète. Elle voit et lit des mots, ceux de l’intitulé de l’œuvre. Par ces mots s’amorce le dialogue. Paroles d’un accueil porté par une voix : « Tu dis silencieusement / Disparaître » / tu dis Rester / Partir ».

Devant les poèmes de Destautels, une voix semblable susurre à mon oreille : « Rester / Partir ». Je choisis de rester. Il n’est pas dit que dans ce nouveau miroir ou portrait ovale que m’offre la poète, je ne verrai pas apparaître quelque chose dans le disparaître que proclament ses poèmes. Je tiens à le mentionner : il n’échoit pas au vent de tourner les pages d’un recueil de poésie. La désinvolture de la poète qui d’abord circulait parmi « quelques collections d’objets et de corps fugitifs » ressemble à la nôtre, alors que nous ouvrions ce bel objet qu’est le nouveau recueil de Desautels. Mais très tôt, happé par les mots, c’était pour réaliser qu’il est « cinq heures du soir / heure du chant /funèbre de Lorca ». Bref, nous réalisons assez tôt dans notre lecture qu’il commence à se faire tard.

Le dialogue de la poète avec l’œuvre de l’artiste n’en est pourtant qu’à son début. Il se poursuit dans le second poème : « Tu dis Parfois j’ai peur / Tu insistes Contempler la mort. / La cendre sous le verre ovale nous observe. / Dépouillée. Mais pleine de rêves respirations. / Que rien ne se perde. / Que ce magma humain cerclé de métal / ne devienne pas / juste chaos. »

Je cite ces derniers vers pour donner la mesure des propos de Desautels. Ils sont profonds. Une réflexion soutenue nourrit cette poésie, sorte d’introspection ouverte sur le monde, où le rêve se confronte au chaos malgré l’heure avancée de la mort. 

RELISONS

Reprenons le livre. C’est un objet remarquable. Cela, dès que nous l’avons ouvert, nous l’avons réalisé. Dans sa matérialité, il a de quoi impressionner. C’est le fruit d’un travail collectif professionnel qui en réalité dépasse la collaboration de la poète et de l’artiste. Le Noroît n’a jamais lésiné sur la qualité. Nous le savons. De la direction littéraire en passant par le graphisme, la maquette de couverture et la révision linguistique, tout est impeccable. Les poètes de la maison évidemment y jouent un rôle de premier plan. Avec Disparaître, Desautels et son amie donnent sans aucun doute le meilleur d’elles-mêmes. Puis, au-delà encore de ces créatrices, d’autres créateurs sont conviés, à leur insu dans certains cas. Il s’agit d’auteurs, à vrai dire en majorité des autrices, que Desautels intègre dans sa quête. Des écrivaines, mais pas uniquement, des peintres aussi, Chagall, Rembrandt, un Schubert, une Kate McGarrigle — je ne les mentionne pas tous. Dans Disparaître, les réseaux intertextuels et artistiques sont multiples ; les références, nombreuses. Les exergues parlent, dialoguent avec le poème et, par conséquent, avec les œuvres de Cotton. Le travail de Desautels est précis, finement ordonné, d’une forme soignée.

L’ouvrage compte onze suites. Chacune s’articule autour d’une œuvre de l’artiste. Sur une première page recto paraît le titre de la section, suivi d’un ensemble de citations. La page verso est vierge. La page recto suivante est réservée à l’œuvre visuelle (encre, dessin, installation, objet, etc.). La suite de poèmes se déroule ensuite à partir de la page recto suivante. Le livre est aéré, les poèmes tiennent chacun sur une page. De l’un à l’autre, aucune rupture de ton. La manière des poèmes ne souffre aucune fracture ou disparité marquée. Rien de contrastant, de détonnant. Unité de style, pourrait-on dire. Héritage assurément d’un certain formalisme, pleinement assumé, porté à son faîte.

Formalisme, oui, mais. Une forme est rarement vide ou alors le poème est indigne d’être ainsi nommé. Autrement dit, quelque chose parle dans les poèmes, et ici tout particulièrement dans les poèmes de Desautels. Mais que nous disent au juste ces poèmes ?

L’œil écoute. Cherche à entendre la parole de qui vient à lui, tente de recevoir, d’accueillir l’autre dans sa parole. Le poème est offrande. Avec Disparaître, ce qui est offert est un carrefour, un lieu d’échanges où circulent des paroles. Que disent ces paroles ? Quels sens portent-elles jusqu’à nous ? Et d’abord à quoi réfèrent-elles ?

Nous l’avons mentionné déjà, ce recueil ne parle pas des œuvres de Sylvie Cotton. Toutefois, il en part et y revient. Il tourne autour. Ces œuvres font partie du recueil. Le livre de la poète se les est incorporées. Il n’est alors pas insignifiant de se demander de quel sujet elles traitent.

La forme de l’œuvre signalant le référent est parfois énigmatique. Dans certains cas, le décryptage est facile. Par exemple, l’œuvre intitulée « La mort approche » est une œuvre qui en plus d’expliciter son référent formule précisément son « message », lequel est inscrit sur un mini-fanion hissé sur une petite branche, le tout contenu sous un globe de verre. Ici, comme je viens de le mentionner, le référent est clair et le message également. Ce dispositif demeure cependant énigmatique, original : il étonne et déclenche un certain questionnement. Le dessin « Crâne à l’eau bleue » renvoie pour sa part à la mort. Un peu plus loin, une autre œuvre : dans un objet rectangulaire, cadre ancien fait de bois et renfermant peut-être jadis un miroir, on lit l’inscription suivante, « la mort réveille ». Ici encore, on sait de quoi « ça parle », mais on ne sait pas tout à fait ce que cela dit. Nous devons collaborer, participer à ce que met en circulation au niveau du « sens » ce curieux objet porteur d’un si troublant « message ». Une encre intitulée « Notre maison pleure » requiert elle aussi de la part du lecteur-regardeur ce type d’investissement que justement consent la poète en regard des onze œuvres autour desquelles s’articule son écriture. Avec chacune, Desautels s’investit, s’offre et reçoit, va vers l’autre afin de l’accueillir.

On le voit, les œuvres de Cotton recèlent une panoplie de thèmes virtuels. Elles se prêtent à l’interprétation, nourrissent l’imagination. Je songe tout particulièrement à celle qui s’intitule « Valise et chaussures ». Dans le livre, la « chose » est photographiée. Il s’agit d’un objet tout à fait saisissant. Il est l’équivalent d’un mot-valise. Contrairement à ce que ce néologisme en est venu à généralement signifier, contrairement à la désignation d’un terme dans lequel on en vient à fourrer à peu près n’importe quoi, le mot-valise est tout simplement un mot construit à partir de deux mots distincts, dont on aboute le début du premier à la fin du second. « Smog » est souvent donné en exemple. Ce mot résulte de la fusion des mots « smoke » et « fog ». On a conservé les deux premières lettres du premier pour les faire suivre des deux dernières du second. L’objet créé par Cotton ressemble à un mot-valise. Il assemble non pas les parties tronquées de deux objets, mais deux objets différents, dont une même réalité (celle du voyage) appelle la mise en relation ou si l’on préfère la proximité.

Sur une petite valise posée à la verticale sur le sol, l’artiste a fixé une paire de chaussures, non sur le dessus de la valise, mais sur l’une de ses faces. Dans la vie de tous les jours, chaussures et valises vont souvent de pair, elles cheminent ensemble. La chanson le dit : « Moi, mes souliers ont beaucoup voyagé ». Partir et revenir, cela implique la plupart du temps qu’on se chausse et mette ses effets dans une valise. Alors, on part ou on revient.

L’objet imaginé par Cotton est très intéressant. Qu’en fait Desaultels ? Que fait la poète de tous les horizons de sens suggérés par les œuvres ? Certes, pour peu que Disparaître tienne compte de ces horizons, de ces thèmes virtuels, le recueil n’occultera pas la mort. Les œuvres de Cotton l’affirment et la poète le confirme : la mort approche et réveille. Une autre de ses œuvres dit que « la maison pleure ». Et la poète renchérit. Cette maison, il nous est permis d’extrapoler et de croire qu’elle symbolise notre monde : « Le monde à sa portée », notre maison pleure, « [s]ans porte ni fenêtre ». Desautles évoque, je crois, les déchirements planétaires, les catastrophes présentes et à venir. Or le sombre de la situation où est plongée l’humanité n’incite pas tout à fait au désespoir. Car, ne l’oublions pas, « la mort réveille ». Et aussi et surtout, les femmes veillent.

La solidarité des femmes traverse le recueil : « Ô joie. La vie vaste des vivantes. / Rien ne vient clore l’élan infini de la forêt / qui pousse en elle car / ta voix de piétà veille / ton poing veille / espoir même vague ». Les femmes, bien que cela ne soit pas claironné dans le recueil, tissent des liens entre elles. Cette maison qui pleure, notre maison, elles « feron[t] enceinte autour d’elle.

RELISONS

Le dialogue à l’œuvre dans Disparaître est maintenu jusqu’à la fin. On se souviendra que le premier vers du poème initial se lit comme suit : « Ça commence souvent par une voix. » Il s’agit de la voix de l’autre femme. La voix de celle qu’accompagne la poète. Cette voix ouvre le recueil et le ferme. Et l’on n’est pas vraiment étonné alors, tant ce recueil est finement élaboré, de retrouver l’écho de cette voix amie à la toute fin du recueil : « Ta voix pour la fin. Une fois de plus. »

La voix de l’autre rassure, lisions-nous, au début du recueil : « Suis incapable de m’en détourner. / Me soustrait au plus inquiet du pire. Veille ta voix. » Or ce pire est toujours présent, menaçant ; il perdure et confine à l’angoisse. La maison est ouverte à tout vent, à tous les tourments. Souvenons-nous de la mort que donne à voir la première image, celle du miroir obscur envahi par le sable, la terre, la poussière et la cendre. « La cendre sous le verre ovale nous observe. » La poète ne peut faire abstraction du chaos envahissant. Mais les femmes veillent, réveillées par la mort. En toute conscience de cela qui va et vient, mort et amour, elles s’unissent. « Nous nous serrons les coudes / nous nous aimons. » La poète dit à sa compagne artiste : « Ton œuvre humaine s’anime sous le verre ovale / vois — tableau de famille et d’histoire. / Et mon lexique alentour cherche réparation. »

La poète écrit : « Babel-Opéra — livre de l’exil. / Quelqu’une y demande Où est le cœur ? / avant de répondre Il n’y en a plus. » L’amour n’est plus. Baudelaire écrivait : « Et l’obscur Ennemi qui nous ronge le cœur / Du sang que nous perdons croît et se fortifie. » Chez Desautels, l’ennemi correspond à la disparition de l’amour : « Aimer s’était éloigné ». La poète, bien entendu, ne parle pas d’un chagrin d’amour personnel, mais bien plutôt de l’exil de tout un chacun, car nous souffrons tous d’un manque généralisé de solidarité, d’empathie et d’amour. Ces termes, solidarité, empathie, ne se retrouvent pas dans le lexique qu’emploie la poète, mais tel un effluve ils émanent de son discours ; ainsi perçoit-on assez bien le sens des propos de la poète, à savoir que la mort qui réveille est la mort de l’amour, de l’amour qui disparaît, que des femmes tentent de faire renaître par les liens qu’elles tissent et le dialogue qu’elles engagent ensemble et dont elles entretiennent la flamme. Point de prosélytisme dans ces poèmes, aucun fanion féministe n’est brandi avec ostentation ou insistance, mais, tout au contraire, d’une manière bien discrète la poète fait valoir un redressement collectif nourri d’espérance : « Longuement aimer / l’avons supplié reviens pose-toi ici. / Mais nous le pressentions / — tant de souffrance dans tant de chants funèbres / aller à sa rencontre c’est ce qu’il fallait / en habits d’espérance. / Même fausse […]. »

La poésie de Desautels est impressionnante. Le moindre mouvement de sa pensée est longuement mûri, fruit d’une profonde méditation, d’un regard attentif aux créations de Cotton, ainsi qu’au monde qui l’entoure. La poète plonge en des œuvres qui la conduisent tout autant en son monde intérieur que devant cette grande maison qui pleure et dans laquelle, personnellement, je vois la terre tout entière et plus précisément notre humanité qui l’habite, alors que tragiquement « [l]a marée miroir mollement monte. » Il est « cinq heures du soir / heure du chant / funèbre de Lorca ».

Je n’ai sans doute pas saisi tout ce que renferme cet ouvrage si riche ni vu vraiment tout ce à quoi ouvre son dialogue, car les poèmes de Desautels ne se déposent vraiment en nous qu’au fil du temps. Ils nécessitent une lecture lente et fort attentive, telle que seule la peut favoriser une fréquentation réitérée de proche en proche. La poète, on l’aura compris, écrit de manière réfléchie, minutieuse. Aucun emportement dans sa voix, jamais de grandes envolées, rien d’outré. Jamais elle ne cède à la facilité. Son poème est intelligent, et s’il procède du sentiment pour y conduire finalement, je parle ici d’un sentiment de déréliction mâtiné d’espoir et travaillé par un fort désir de donner, me semble-t-il, une chance ultime à l’amour, si, dis-je, le poème naît du sentiment et le suscite enfin, en revanche il nécessite que son lecteur l’accueille et vienne à lui avec autant de minutie que lui en manifeste.

Il y a de grandes œuvres qui, à la manière des cathédrales, imposent le respect, le recueillement, j’irais jusqu’à dire une forme de dévotion. Disparaître n’est sans doute pas une prière, mais une profonde gravité anime la parole de la poète. La maison pleure et seul l’amour pourra la consoler.

Quelqu’un prend la peine de nous écrire un mot. Assurément, il y met du sien. Parce que dans tout recueil de poésie ou presque quelqu’un s’adresse véritablement à nous, il me semble que la parole poétique mérite certains égards. Il entre sans doute une part de naïveté dans un tel sentiment, mais la présence réelle dans sa parole d’un auteur ou d’une autrice suffit à le susciter, présence discrète ou non peu importe nous poussant à lire si possible sans a priori, sans chercher dans les ouvrages la validation de nos propres positions, l’idée étant finalement d’être à l’écoute de l’autre.

Un recueil ne nous tend pas directement un miroir. On y verra plutôt de l’altérité. Un poète vient à notre rencontre, non sans courage, nous apportant, comme disait Mallarmé, ses enfants d’une nuit d’Idumée, fruits du labeur et de la cogitation. Goûtons ces fruits qui nous sont offerts. Ils seront parfois savoureux, souvent amers. Dans cette fête du langage à laquelle nous convient les poètes, on constate parfois la présence d’une certaine faillite de l’être : il importe d’en méditer l’ampleur. Il s’agit d’un chant accueillant les ombres dont nous sommes tous un peu les fantômes. Les poètes, d’ordinaire, n’occultent pas les heures les plus sombres. Leur discours peut être léger, aérien. S’ils ont pour dire la joie des mots empruntés aux fleurs et aux nuages, ils en possèdent d’autres provenant de la fange où ils s’embourbent, à l’occasion jusqu’au cou, lorsqu’ils subissent d’affligeantes déconvenues. Il arrive alors que dans leur voix s’immiscent les blasphèmes et les grognements de la bête blessée; leur pensée est en lambeaux, leur langue écorchée, leur voix imbibée des bas-fonds.

Avec Le fantôme de Madeleine, Marc Arseneau, un poète de la Nouvelle-Écosse, propose un recueil où la difficulté d’être l’emporte sur la joie. On perçoit dans le grain de sa voix une sincérité humble et directe qui spontanément nous attache à lui. Car ce poète n’a rien d’affecté. Rien de précieux. Son verbe est plutôt proche d’un certain burlesque naturel, non que des « pointes triviales » apparaissent dans ses vers, ce qui est loin d’être le cas, mais en raison du recours çà et là à un registre proche du « langage des halles ». Ces deux dernières citations sont extraites du ‘‘Chant premier’’ de l’Art poétique de Boileau. Traduite en langage d’ici et de maintenant, la première réfère à une attitude baveuse (sarcasme, ironie vulgaire) — on ne trouve rien de tel chez Arseneau — la seconde est relative à un registre de langue populaire, relâchée ; notre poète n’hésite pas à y recourir.

En lisant le recueil d’Arseneau, on se sent « ici et maintenant », dans une réalité concrète tout à fait actuelle, quand bien même pour la circonscrire le poète remonte assez loin dans le temps, réanimant ce faisant une pionnière. On lit en quatrième de couverture que « Le fantôme de Madeleine retrace le traumatisme ancestral de Madeleine Larché, orpheline exilée d’Acadie, jusqu’au cœur d’une survivante contemporaine. » Ce programme paraît ambitieux. Il ne manque pas d’originalité.

Curieusement, les informations de la quatrième apportent un éclairage sur le recueil que ce dernier émiette à peine au fil des pages. Au sujet de la vraie Madeleine, nous n’en saurons guère davantage. Sa réalité historique sera plus ou moins convoquée, à peine esquissée. En fait, elle sera plutôt fantasmée. Un lien entre la Madeleine d’antan et un « personnage » féminin contemporain sera néanmoins établi. Comme si le tragique destin de Larché illustrait en quelque sorte les non moins troublantes mésaventures de la femme aimée par le « je » du poème. Cette femme éprouvée fera surtout l’objet de la deuxième partie du recueil. Avec elle, nous entrerons alors « Dans la maison d’une martyre » — tel est le titre de cette section. Alors que dans la première, intitulée « Le fantôme de Madeleine », nous aurons surtout été mis en présence du fantôme de Madeleine, dans la seconde, avec la « survivante contemporaine », nous découvrirons l’univers d’une femme vivant non pas l’exil de la déportation, mais bien celui que lui impose le dérèglement de ses sens. Cette femme, en effet, subit une sorte d’expropriation. Aliénation, dérive, souffrance mentale. Elle est chassée du monde harmonieux dont sa condition justement l’éloigne.

En parcourant distraitement le recueil, on peut avoir l’impression qu’en son sein deux modes d’expressions interagissent l’un à la suite de l’autre, que le poète recourt à deux manières, voire deux styles différents, chacun approprié aux sujets traités, dont l’un est le fantôme, l’autre, la martyre. Pour traiter du traumatisme lointain de l’exilée, l’auteur, pourrait-on croire, écrit dans un style poétique assez sage, en phase avec l’époque où vécut son héroïne. Puis, lorsqu’il est question de la femme martyrisée, pour dire l’objet de son amour et leur désarroi commun, il écrirait de manière éclatée ; sa parole se ferait plus percutante, hachurée, davantage moderne.

Une telle impression doit être révisée. Elle n’est pas tout à fait exacte. En effet, dès les premiers poèmes apparaît non seulement Madeleine Larchée, mais aussi le personnage de l’amoureuse. Celle-ci semble rivaliser alors avec la lointaine ancêtre, du moins occuper autant sinon plus d’espace qu’elle dans la première section. C’est que l’une sans doute est assimilée à l’image de l’autre, et que les deux conversent, c’est une façon de parler, à travers le temps, ou du moins s’échangent des valeurs, comme si quelque chose en elles les rendait jumelles, du moins symboliquement. Bien que le partage des tonalités ne s’exerce pas de manière systématique, dans l’ordre que j’ai dit, avec un mode d’expression pour la première (l’ancêtre) et un second pour la seconde (la martyre), il n’en demeure pas moins que dans la première section de l’ouvrage le ton est dans l’ensemble plus retenu, les poèmes ayant une facture plus traditionnelle. Certains sont simples. Du reste, les plus beaux du recueil sont sans doute les plus simples.

L’auteur contrairement à ce que pourrait laisser entendre la quatrième de couverture ne s’attarde pas vraiment à la personne de Madeleine Larché. Il écrirait, si tel était le cas, en usant d’un mode narratif proche de celui des historiens. Il est loin de rédiger un roman historique en vers, ne se situe pas le moindrement au niveau du conte, de la légende ou du mythe. D’ailleurs, c’est moins Madeleine Larchée qui l’intéresse que le fantôme de celle-ci, fantôme, nous l’avons laissé entendre, qui est presque l’écho avant-coureur de la martyre dont il est amoureux — Larchée étant une sorte de faire-valoir, de représentation plus ou moins allégorique de la martyre jumelle. Le personnage historique de Larché me semble donc être surtout un truchement. Le poète établit un parallèle entre le destin tragique de la déportée et celui de la femme qu’il aime.

En fait, cette impression d’un partage systématique des styles s’évanouit dès qu’on relit les premiers poèmes de l’ouvrage. On réalise qu’un poème d’amour, à teneur érotique, comme « charnelles étreintes », poème écrit au présent, ne s’adresse pas à Larché, mais bien plutôt à son fantôme, à son alter ego. Il est question dans le poème suivant, intitulé « flammes jumelles », de deux personnages actuels : « […] nous nous faisons miroiter / en éveil des passions / entre la sollicitude de l’ange / et l’horreur de la martyre / qui vivent au moment présent ». Madeleine Larché ne vit évidemment pas « au moment présent ». Son fantôme cependant se profile dans le destin de la martyre qui fait l’objet de la seconde partie du recueil. Cette martyre comme le démontre la citation précédente apparaît déjà dans la première partie du recueil. Bref, les choses ne sont pas aussi tranchées. Il y a d’une section à l’autre une sorte d’interpénétration des modes d’expression comparable à celle qui unit les deux personnages féminins du recueil.

J’incline à croire en lisant le beau poème intitulé « que laisse » que ce sont deux fantômes et non un seul qui sont convoqués dans ce recueil, qu’il y a celui d’une morte et celui d’une vivante. Lorsque dans ce poème, Arseneau écrit : « que laisse voir la nuit dans ta voix / ton fantôme allume encore mon esprit / dans la solitude de cette traversée », à quel fantôme s’adresse-t-il ? À celui de quelle Madeleine ? Madeleine l’ancienne ou sa Madeleine contemporaine ? Chose certaine, la Madeleine d’hier se fait jour dans la Madeleine d’aujourd’hui. Le drame ancien se répercute dans le drame actuel.

L’hier et l’aujourd’hui. Il me semble qu’Arseneau prend plaisir à traverser des ponts, à franchir des époques et même à s’affranchir de la convention voulant qu’un recueil ait une unité de ton, à quoi l’on pourrait presque, à la manière des classiques, ajouter les unités de temps, de lieu et d’action. Notre poète fait fi des règles désuètes autant que des diktats contemporains. Les règles d’antan voulaient que tout soit uniment réglé. Elles stipulaient la convention, préconisaient la régularité de tout en toute chose. Les courants les plus modernes, ceux qu’imposent les modes les plus récentes en poésie, tournent résolument le dos à des idées aussi traditionnelles, à une écriture connotée comme trop poétique, comme allant de soi dans le monde de la poésie tel que peut encore le concevoir le premier venu, le néophyte.

Chez les contemporains, on se méfiera du pouvoir de séduction de la rime, la déclarant nulle et non avenue. Arseneau ne se soucie pas le moins du monde de tels scrupules esthétiques, mais ce n’est sans doute pas par provocation qu’il se permet de rimer. Par exemple, dans ces vers : « j’aimerais mélanger ma voix avec ta musique / dans les mailles du soleil du matin / jusqu’aux doigts où c’est minuit sans fin / j’aimerais être le Pacifique dans ton Atlantique ». Autre exemple, dans un registre plus contemporain, sans doute également plus prosaïque : « je ne veux pas que tu agonises / je veux juste que tu te réalises / je kick la can dans la caboche / d’où des cornes s’effilochent / et glissent par terre allègrement / entre ta gadoue pis ma sloche ».

La rime associée par maints poètes actuels à la poésie conventionnelle est paradoxalement revenue au goût du jour depuis quelques décennies grâce à la poésie populaire pratiquée par les slameurs et autres artistes de la scène du hip-hop. La poésie de ces artistes loin d’être follement libérée des contraintes de la rythmique est également plus nombrée dans l’ensemble que celle que l’on rencontre chez la plupart des poètes appartenant à la catégorie des poètes purs et durs, ceux qui s’inspirent des grands courants de la poésie menant depuis Baudelaire jusqu’à des Jaccottet, Bonnefoy ou Brault.

Paradoxalement, au sein d’un même recueil et, ce qui me paraît plutôt remarquable, sans vraiment nuire à son propos, Arseneau parvient à amalgamer des courants qui d’ordinaire se tournent résolument le dos. Ainsi ose-t-il produire des poèmes que pourraient regarder de haut, sinon de loin, les artistes du spectacle poétique, ceux qui performent sur la scène. Il lui arrive en effet d’écrire tout simplement, presque candidement, des poèmes qui ne cassent sans doute rien, mais qui touchent leur cible avec justesse. Au milieu du recueil, alors que l’on sait à quel point les choses se passent mal Dans la maison d’une martyre, les vers suivants n’ont rien d’innocent : « la petite fille en-dedans  (sic) / cherche à se remonter / à la surface du fleuve / à la lumière de sa guérison / où elle ne nie plus / où elle ne fuit plus / où elle ne minimise plus / où enfin son cœur serein / se vide jusqu’à faire le plein ».

Pour mieux dire la maladie, la souffrance de celle qui « aval[e] l’amitripiline » et fume « top » sur « top », le poète ne met pas de gants blancs. Il dit les choses comme elles sont, avec les mots qui siéent. Sa parole se fait orale, il puise dans le terreau du langage populaire, use d’anglicismes, de mots appartenant au slang. Elle étonnera le lecteur frileux qui juge que pour dire toute chose, même le sordide, le désordre et la détresse, un registre populaire n’a pas sa place en poésie. Jugement pour le moins discutable, par lequel on ostracisait autrefois un Jean Narrache chantant sur un mode apparemment mineur les affres de la misère et de la pauvreté. Or le lecteur pour qui le discours poétique doit faire montre de la plus haute tenue sera peut-être moins réfractaire au caractère selon lui débraillé de certains poèmes (ceux qui s’inscrivent dans la mouvance du hip-hop) que ne le heurteront par endroit les poèmes d’Arseneau frayant peu ou prou avec une certaine forme d’abondance : « nous entrons en fusion psychique / par les effusions vibratoires / dans la conscience d’être en communion / sous cette vulnérable émotion / qui ne cesse de frémir en nous ».

En revanche, la plupart des lecteurs du Fantôme de Madeleine seront gagnés par la fantaisie que manifeste l’auteur (« je t’écris en chapeau-melon (sic)») ; par ses bons sentiments, qu’à tort on prétend parfois inconciliables avec la « bonne littérature » ; par son inventivité, l’auteur étant un grand amateur de paradoxes : (« une ombre en toi / en plein jour ») et (« une sortie de secours / enfin arrivée ») et encore, mais parmi tant d’autres trouvailles (« nous ne sommes séparés / que par la distance physique »). Ils se montreront également sensibles aux manifestations de tendresse qui parcourent le recueil.

De nombreux poèmes plairont. J’ai dit ma préférence pour les plus simples, qui sont également les plus conventionnels. D’autres apprécieront davantage le modernisme de cette poésie, jugeront d’un bon œil les incursions du poète dans le domaine du hip-hop. Chose certaine, tous constaterons que Marc Arseneau aborde avec doigté des sujets plutôt graves. L’authenticité de la démarche de ce poète ne fait pas l’ombre d’un doute. 

Je cite pour terminer un poème qui n’a rien d’hermétique. Il s’intitule « conventum ».

un jour je te reverrai

nos corps auront vécu

d’autres lieux d’autres rencontres

d’autres amours et d’autres départs

qu’auras-tu à me dire

dehors la pluie tombe

à l’intérieur j’écoute

des violons assis à la table

te souviens-tu des soirées

où nous étions assis là

à écrire

auras-tu gardé mes lettres

et nos poèmes